::El cinematográfico Blog de Togno::

A Torinói ló (2011) dir. Béla Tarr

2011-12-11T19:20:00.001-08:00

Una conocida anécdota del filósofo Friedrich Nietzsche cuenta que, en un viaje a Turín, el pensador observó como era golpeado violentamente un caballo en vía pública. Al ver esto se abalanzó sobre él y, sollozando, le pidió perdón al animal por este mundo tan cruel. Luego de mucho forcejear consiguieron que soltara al caballo, para después desmallarse. Se sabe que después del incidente dejó de escribir y cayó en la locura. La pregunta que el director húngaro Béla Tarr se hace es: ¿Qué le pasó al caballo? Bajo esta primicia el realizador nos cuenta ésa historia, la de su sueño y la hija de este.

La película está dividida en en seis capítulos (que representan los días que Dios tardó en crear el mundo). Estos personajes viven en una desolada casa en medio de un enorme páramo que es azotado por una interminable tormenta. Los días transcurren y mientras lo hacen, somos testigos de la cotidianidad y miseria en que se desenvuelven estos seres; para de ésa manera, adentrarnos a cada minuto en el alma de la película. Y es que, de ninguna forma es un filme agradable, los planos son extremadamente largos (En más de dos horas de metraje solo existen 30), además de otorgar escasas dosis de diálogos o de un audaz montaje. El director utiliza éste particular estilo para que lentamente podamos entrar al relato y, poco a poco, desembocar en un apocalíptico final.

Con una sublime fotografía en blanco y negro, además de una majestuosa banda sonora compuesta por Mihály Vig. Es así como entre sombras, contrastes y sonidos hipnotizantes el director húngaro hace que la degeneración y el desconcierto sean los protagonistas. Su poesía visual cautiva, al mismo tiempo que desalienta. Un filme digno de ser admirado en su totalidad, para sentirlo y dejarse atrapar por la oscuridad de su propuesta.

Calificación: E

Beginners (2010) dir. Mike Mills

2011-09-28T23:17:00.001-07:00

Desde hace varios años el cine independiente norteamericano ha sido lo mejor que Estados Unidos produce en materia cinematográfica. Con temas variados y alejados diametralmente de los gastados estereotipos de Hollywood, este cine ha encontrado su propia voz y se ha hecho un espacio en el imaginario cinéfilo gracias a sus talentosos autores. Siempre es bueno encontrar una película de este estilo con una propuesta fresca, humilde y honesta.

El segundo largometraje del director Mike Mills (Tumbsucker) cuenta dos historias de manera atemporal centradas en Oliver (Ewan Mcgregor), un diseñador gráfico que debe lidiar con su papá de 75 años quien es diagnosticado con un cáncer terminal; el padre(Christopher Plummer), a su vez, acaba de salir del clóset al declarar su homosexualidad luego de la muerte de su esposa. Al mismo tiempo Oliver conocerá a una joven actriz francesa (Mélanie Laurent), igualmente perdida en la nostalgia.

La tristeza se respira en cada uno de los fotogramas de esta aparente comedia, otorgándonos una extraordinaria narración que carga con una constante sensación de abandono. Sus personajes deambulan por la pantalla exhibiendo una acogedora tristeza. Sin embargo no resulta pesado, si no que el realizador se vale de eso para presentarnos la melancolía filmada en su forma más simpática y llegadora. Un abatimiento que, irónicamene, resulta tierno y afable.

El guión está cargado de diálogos sencillos, que en el fondo resultan grandes lecciones de vida. Situaciones espontáneas y reales que hablan de la constante infelicidad en que muchas personas podemos llegar a vivir; de esa búsqueda de comprensión y cariño que aveces nos hunde en una eterna apatía.

Los personajes son sumamente complejos, empezando por Oliver interpretado por Ewan McGregor, quien proyecta una melancolía real, su personaje logra una empatía inmediata en el espectador quien solo se deja llevar por la pesadumbre reflejada en su mirada. De igual manera Mélanie Laurent interpreta a Anna de forma muy acertada, como una joven y simpática actriz incapaz de dejarse amar. Pero es, definitivamente, Christopher Plummer quien logra robarse la película, su encantadora interpretación es la que llega al corazón del espectador, haciéndolo enternecer con su honesta actuación. Mención especial a la actriz Mary Page Keller, quien interpreta a la madre de Oliver, logra un papel maravilloso en las breves escenas que tiene.

Todo esto se conjuga con un acertado y divertido diseño de producción inspirado en un minimalista humor gráfico que se compagina perfectamente con un montaje soberbio, aderezado con melodías suaves que dan como resultado una experiencia única que no solo logrará varias lagrimas y honestos suspiros, si no un inmenso nudo en el estómago.

Calificación: E

Miss Bala (2011) dir. Gerardo Naranjo

2011-09-15T00:57:00.000-07:00

El año pasado, Luis Estrada sorprendía al público mexicano con su sátira acerca de la ficticia guerra contra el narcotráfico que el gobierno federal inicio desde el 2006. Por muy intensa y directa que fuese la crítica, "El infierno" nos presentaba un escenario más bien pintoresco en donde aún podíamos soltar un par de carcajadas y pensar en que, tal vez, la situación mejoraría. Ya en este 2011 el escenario no es el mismo, la situación ha cobrado la vida de las de 40 mil personas(1) y es imposible vislumbrar un futuro positivo para el país.

Situado ya en este contexto Gerardo Naranjo nos presenta su tercer largometraje contando la historia de Laura Guerrero (Stephanie Sigman), una aspirante a reina de belleza de Baja California quien se ve forzada a inmiscuirse en el negocio del narcotráfico. Dejando de lado cualquier clase de humor, la cinta retrata el mismo irreconocible país en el que, lamentablemente, todos transitamos diariamente. Ése en donde los ciudadanos hemos sido abandonados por la una clase política descompuesta, quienes, cínicamente solo buscan enriquecerce a costa de una confundida clase trabajadora.

Aunque el género de la película es acción, la cercanía del tema hace que cada una de las secuencias sea una experiencia sórdida, ayudado de varios planos-secuencia, muy bien dirigidos; el realizador sabe representar la violencia sin ninguna clase de adorno artificial. La acción está ahí, en los ojos de la espléndida y bella protagonista; nos movemos junto a ella, sin querer realmente acompañarla en ese infernal viaje. Las actuaciones, así como la estética de la cinta son de un realismo que raya en el documental. Haciendo de la experiencia escalofriante por momentos.

Irónicamente se presenta a Laura como una humilde mujer quien sueña con entrar a un concurso de belleza, haciendo hincapié en el discurso sobre el presentar cosas hermosas y glamurosas, para así, negar una siniestra realidad. A pesar de ello, el director no pretende presentar culpables o dar juicios adelantados. Simplemente deja que la realidad sacuda al espectador para que al unisono podamos gritar: ¡Ya basta!

Calificación: MB

J'ai tué ma mère (2009) dir. Xavier Dolan

2011-09-13T21:59:00.000-07:00

"Yo maté a mi madre" cuenta la historia de Hubert Minel, un adolescente homosexual que posee un inusual odio hacia su madre. Su forma desinteresada de pelear y hasta su manera de hablar y vestir parecen zaherir al muchacho, al punto de negar la existencia de su progenitora. El odio que siente hacia ella, crece eventualmente al grado de ser insoportable para ambos, llevándolos a la catarsis. Aunque al principio la madre muestra cierto desinterés ante los constantes insultos de su hijo, pronto el carácter de este explota, sumándose a su hambre de libertad espiritual lo convierten en un joven hostil e insufrible. Todo lo que lo aprisiona parece conjugarlo en la figura de su madre.

Deslumbrante ópera prima de Xavier Dolan quien, además de actuar, dirige y produce este inusitado filme. Rodado a la edad de 19 años, el argumento tiene demasiado de autobiográfico, uno se llega a preguntar que clase de relación pudo haber tenido con su verdadera madre, pues el guión está plagado de honestidad y diálogos insólitos. Dolan no teme, en ningún momento, ser políticamente incorrecto, hablando sobre un tema difícil: el odio a una madre. La película por momentos llega a ser incómoda y perturbadora, sin embargo es aplaudible la frescura con la que el cineasta cuenta una historia que pudo haber caído en el drama inaguantable.

De apariencia minimalista, el realizador sabe imprimirle un aire de modernidad al metraje, lo que la hace bastante digerible. Se notan las referencias a cineastas franceses como Ozon o Truffaut, además de un soberbio manejo de planos cinematográficos en las secuencias oníricas, resultando innegable el talento del joven director. A pensar de lo difícil que resulta la incómoda temática, Dolan logra un sentimiento de empatía en la audiencia, además de un torbellino de sensaciones que pueden llegar a ser demasiadas, pero disfrutables para los amantes de las emociones dramáticas extremas. Una gran muestra de cine alternativo.

Calificación: MB

Ganadores de recuento cinematográfico 2010 - 2011

2011-05-16T16:21:00.000-07:00

CINE MEXICANO.

Recuento cinematográfico 2011 (Cine mexicano)

2011-04-25T12:29:00.000-07:00

Aquí las nominaciones a cine mexicano...

*Cintas independientes, de temáticas alternativas y bajos presupuestos.

Recuento cinematográfico 2011 (Cine internacional)

2011-04-25T02:17:00.000-07:00

¡Al fin! Como cada año aquí está el recuento cinematográfico de este blog. Los ganadores se darán a conocer en breve. Si alguno desea participar en la elección de estos, manden un correo con sus selecciones a tony.y.2005@gmail.com. Tomaré a todos los que deseen participar en cuenta.

Algunas categorías han cambiado o desaparecido, para dar paso a unas nuevas y mejoradas. Debajo de cada categoría de "título dudoso" he puesto una aclaración para que no haya dudas. Antes que nada, la aclaración de que tomo en cuenta los estrenos (aproximados) en salas de cine únicamente en México, desde abril del 2010 hasta marzo del 2011. Es por eso que algunas cintas como "El listón blanco (das weisse band)" o "El secreto de sus ojos"; que son, de hecho del 2009 entraron en el recuento.

*Cintas habladas en cualquier idioma extranjero. (Se toma como idioma extranjero cualquiera distinto al español e inglés). Exceptuando países iberoamericanos.

*Cintas producidas en cualquier país de América Latina (Excepto México), España y Portugal. Incluye también a los países de habla no-española como Brasil.

*Películas de animación tradicional, animación digital, cuadro por cuadro o, variantes donde la animación se mezcle con live action.

*Cintas de temas alternativos, producidas sin la ayuda de los grandes estudios.

*Puede ser la partitura original compuesta para la película o, en su caso, la lista de canciones utilizadas a lo largo del metraje.

*No necesariamente debe de ser una canción compuesta especialmente para la película. Pero si debe de aparecer en la banda sonora.

*Se toma en cuenta el diseño general de la cinta. La dirección de arte, los decorados y el diseño de vestuario.

*Se toma en cuenta el proceso de post-producción. El montaje del filme, así como la edición y mezcla de sonido.

*Se toma en cuenta tanto los efectos especiales como los efectos visuales/digitales utilizados en post-producción.

Proximamente: Recuento cinematográfico 2011

2011-03-07T22:24:00.001-08:00

El recuento cinematográfico que este blog cada año está cada vez más cerca, pronto de darán a conocer las nominaciones EN VIVO a través de TWITCAM. Estén al pendiente del blog para conocer el día y la hora. Habrá cambios en las categorías y muchas otras sorpresas. ¡Prohibido perdérselo!

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1 (2010) dir. David Yates

2010-11-22T19:29:00.000-08:00

Henos aquí, nueve años después de el estreno de Harry Potter y la piedra filosofal, comenzaré diciendo lo complicado que es encasillar la cinta en un género específico: es, a la vez, un drama adolescente, detectivesco, fantástico y un thriller de suspenso. Incluso las reglas básicas a las que nos tenían acostumbrados en las pasadas entregas, desaparecen.

El nuevo ministro de magia, Rufus Scrimgeour (Bill Nighy, muy atinado), anuncia que se viven tiempo difíciles, con un aire de desolación vemos al trío protagonista preparándose para la búsqueda de los horrocruxes. Voldemort se apodera del ministerio y Harry es perseguido, con las pocas pistas que Dumbledore les ha dejado la tarea es desmoralizante. En medio de todo, Harry se topa con la leyenda de "Las reliquias de la muerte", las cuales hacen al que las posee el amo de la muerte. Las aventuras dejan de tener lugar dentro de los muros de Hogwarts, el trío debe esconderse en el bosque, lo cual deja una sensación de desamparo y angustia. Los mortífagos y carroñeros asechan en todos los rincones, mientras el horrocrux que aún no han podido destruir lleva una sombra maligna que acompaña su viaje.

Cabe recordar que la última novela ha sido dividida en dos partes, de acuerdo con el director para profundizar más en la trama; así que, básicamente, solo se nos presenta la mitad de una película; me obliga a no sacar conclusiones anticipadas. Uno de los aciertos al dividir la trama en dos es que no se omiten los sinsabores de la novela, a diferencia de La orden del fénix y El misterio del príncipe, donde la sombría narración es canjeada por otras subtramas más amigables, es la primera vez que el mundo mágico se torna tan oscuro y devastador.

Parece no haber cabida para momentos felices: la boda de Fleur y Billy, el romance de Harry y Ginny, así como el anuncio del embarazo de Tonks son puestos en un lugar muy secundario. Otro de los aciertos, únicamente disfrutables para los lectores de las novelas,es que se pueden ver esos detalles que las anteriores adaptaciones pasaban por alto, se puede tener una buena conversación con la chismosa tía Muriel y una fantástica explicación de la leyenda de las Reliquias de la muerte (con una animación extraordinaria).

Es aquí donde se evidencia el peor error en esta adaptación; al ser más fiel a la novela, la película comparte los mismos huecos narrativos; la búsqueda de los horrocruxes nunca avanza y vemos a nuestros héroes atrapados en el bosque una y otra vez para, al final, sacarse una solución apresurada e inconcebible.

Aplaudo la manera en la que el director maneja la tensión general del filme, el feeling de incertidumbre no decae a lo largo del metraje, se nota una gran maestría a la hora de montar las escenas de acción y, por primera vez, desde El prisionero de Azkaban, los efectos visuales se ven reales. Sin embargo, parece que el realizador sigue con esa necedad de quitar momentos claves de la novela para meter otros, que pudiesen parecer más amigables, pero que no aportan absolutamente nada al ritmo de la película.

Se nota mucho más dinamismo en el montaje, los momentos cómicos y románticos son escasos, dan paso a un dramatismo menguado que da un efecto tenebroso y depresivo a la adaptación; lo cual me encantó. La fotografía de Eduardo Serra y la partitura compuesta por Alexandre Desplat se conjugan a la perfección con la siempre magnífica dirección de arte para esta evocación a la desesperanza; a la que, hasta ahora es el filme más oscuro del joven mago (no así, las novelas: La orden del fénix sigue siendo, para mí, la novela más lúgubre de la autora).

Los actores secundarios, como siempre están de lo mejor, intérpretes británicos de gran trayectoria sorprenden en papeles pequeños, como Imelda Stauton como la estricta Dolores Umbridge, Ralph Finnes como el antagonista Lord Voldemort y, la vesánica Helena Bonham Carter como Bellatrix Lestrange, dan un soporte perfecto al trío protagonista; Rupert Grint asombra en esta ocasión, proyectando la fastidia, envidia y celos de su personaje, aunque el peso dramático recae en la siempre perfecta Emma Watson, es Hermione quien le da la credibilidad y el registro actoral que se requieren los tres personajes, esto ante la poca capacidad histriónica de Radcliffe.

En resumen la cinta cumple, son ciertos creces. Presume de varios aciertos, a la vez que peca de arrastrar vicios narrativos heredados desde la quinta adaptación. Se siente un dramatismo nunca antes experimentado, cortando la película en un momento crucial para dejar al espectador, como en telenovela de viernes, ansioso por el espectacular final que cerrará esta importante saga.

CALIFICACIÓN: MB

ESPECIAL: Cintas sobrevaloradas (Parte 2)

2010-11-18T18:16:00.000-08:00

Aquí va la segunda parte:

5.- Avatar (2009) dir. James Cameron.

James Cameron confirma, de nuevo, que el público es extremadamente estúpido. No hace falta tener un argumento original para lograr una gran taquilla, basta con poner un producto en un empaque de lujo para que la gente abarrote las salas de cine. Avatar, además de tener un presupuesto de 300 millones de dolares, tecnología revolucionaria y apreciarse en 3D, no tiene NADA. Mensaje ecológico ¡Mis huevos! Es la historia de Pocahontas.

LO + DECEPCIONANTE - Al igual que su anterior película haya roto records de taquilla (solo por que las entradas a ver una cinta en 3D son más caras). Creo que la película porno debe de estar mejor.

4.- Amores perros (2000) dir. Alejandro González Iñarritu.

Tal vez la película mexicana más exitosa de los últimos años, revivió el gusto del público por el cine nacional y, además, le dio un giro al cientos de veces mencionado "nuevo cine mexicano". Realmente se puede habar de un antes y un después de la industria fílmica mexicana con esta película, nominada al Oscar como mejor película en lengua extranjera. Claro, no es una mala película, tiene buenas actuaciones; pero fué pensada desde el principio para el lucimiento y la pretensión (de la que actualmente somos presas) de González Iñarritu. He aquí donde comenzó todo.

LO + DECEPCIONANTE - A la fecha, este pseudodirector es premiado y respetado, incluso esta próximo a darle a México un Oscar por película extranjera.

3.- Forest Gump (1994) dir. Robert Zemeckins

Superficial y ultraconservadora, acerca del chiste llamado Estados Unidos de América, con un retrasado mental como protagonista (algo que, como vimos, no le costó trabajo a Tom Hanks). Pero claro, a todos les encanta este entrañable cuento del sueño americano (Gana en los deportes, hazte rico trabajando duro y... deja que el gobierno asesina gente en la guerra). Si, para los que no sepan, esta ridícula historia le arrebató el Oscar a Pulp Fiction y The Shawshank redemption.

LO + DECEPCIONANTE - Que haya tenido éxito fuera de los Estados Unidos, no entiendo como en México pudo gustar esta película, siendo una historia tan jodidamente gringa.

2.- Crash (2004) dir. Paul Haggis

A estas alturas se tiene entendido que la Academia premia a las películas de acuerdo a su conveniencia, por muy cuestionables que sean sus decisiones, no eran tan desfachatados como para premiar a una verdadera mala película, hasta que premiaron esta. La ópera prima de Paul Haggis no aporta nada en ningún sentido, el concepto de historias entrecruzadas ya se había visto con anterioridad. Cuenta, con medio Hollywood en el reparto, un asco.

LO + DECEPCIONANTE - Que le haya arrebatado el Oscar a la, sencillamente perfecta Brokeback Mountain.

1.- La vita è bella (1997) dir. Roberto Benigni

En mi opinión, la película más sobrevalorada de la historia y es que... ¿Quién no ama esta película? Un hombre que es capaz de desdramatizar los sucesos más horribles a su alrededor (en este caso la guerra) por el bien de su pequeño hijo. La cinta es una comedia física al más puro estilo clásico con tintes trágicos (¿o un drama con tintes cómicos?), con un insufrible Roberto Benigni, que se interpreta a sí mismo en una narración simple que juega todo el tiempo con los sentimientos del público; logrando la empatía inmediata hacía su personaje y su adorable pequeño. Cursi y exagerada, eso es lo que le ha encantado al público de este cuentito italiano.

LO + DECEPCIONANTE - Básicamente que TODO el mundo la ame.

ESPECIAL: Cintas sobrevaloradas (Parte 1)

2010-11-09T00:44:00.000-08:00

Seguramente todos hemos ido al cine a ver una película que todo el mundo ama, recibe magníficas críticas o consigue una mega taquilla; sin embargo, al apreciarla nos parece una mala cinta o, simplemente, no sea la gran cosa de la que todo mundo habla.

He aquí una lista que, basada enteramente en criterio propio, he hecho sobre las películas más sobrevaloradas. Deben de ser docenas de películas, para esta ocasión escogí simplemente diez.

Para comentar, criticar y analizar.

10.- Babel (2006) dir. Alejandro González Iñarritu

Iñarritu logró, en su apenas tercer largometraje lo que cineastas de la talla de Del Toro, Cuarón o Reygadas aún sueñan: la palma de oro a mejor dirección en el festival de Cannes. No pretendo demeritar la seriedad del festival, pero en esta ocasión el jurado cayó redondito en las redes del más grande manipulador de emociones, el mexicano ha sabido llevarse a la bolsa a crítica y a público por igual, teniendo a sus órdenes a Brad Pitt y Cate Banchet; además, de la mano del igualmente pretencioso Guillermo Arriaga, no otorga una cinta con un argumento estúpido y vacío; haciéndole creer al espectador promedio que su cabeza puede procesar planos "artísticos".

LO + DECEPCIONANTE - La necedad del director por filmar en lugares como Japón o Marruecos haya llevado al mismo a cambiar el guión hasta hacerlo increíblemente estúpido y poco creíble; para que con la ayuda de interpretes de primer nivel, hacer la narración verosímil. Además de haber ganado el Globo de Oro a mejor película tuvo seis y siete nominaciones al BAFTA y Oscar, respectivamente.

9.- Slumdog millionaire (2008) dir. Danny Boyle

Danny Boyle ya se había hecho un ícono referencial del cine británico con obras maestras como "Trainspotting", con "28 days later" demostró que bien puede hacer una cinta de género original y de calidad logrando el reconocimiento del público y crítica. Slumdog millionaire fue el evento cinematográfico de aquel año. Una obra maestra de canto a la vida: colorida, exótica, emocionante y dramática. Filmada en todo el estilo de los Bollywood films daba la impresión de ser un film perfecto. ¡Oh sorpresa! No lo es. Honestamente el apartado técnico es inmejorable, las imágenes atrapan al espectador y la historia lo envuelve en una especie de sueño, pero al final no es más que una historia cursi sobre dos enamorados en la India. Con todo y coreografía al final.

LO + DECEPCIONANTE - Que la hayan comparado con "Ciudad de Dios" de Fernando Meirelles.

8.- Titanic (1997) dir. James Cameron

Oficialmente la película más taquillera de toda la historia y un ícono de la cultura de los noventas. Llevó al estrellato a Leonardo DiCaprio y Kate Winlet (afortunadamente ambos llevaron por buen camino su carrera logrando ser, actualmente, dos de los mejores interpretes de la industria). Logró ser la segunda película en ganar 11 Oscares (la primera es Ben-hur y la tercera El retorno del rey) y a su director a autonombrarse el "rey del mundo". Objetivamente, la cinta poco o nada tiene que ver con la tragedia de principios de siglo, este hecho solo fué la excusa perfecta para que el público se echara, de nuevo, la misma historia de amor eterno que Hollywood vende por centenares cada año.

LO + DECEPCIONANTE - Que sea irresistible de verla completa cada navidad en canal cinco, con todo y la inevitable lloradera.

7.- Million dollar baby (2004) dir. Clint Eastwood

¿Alguien se ha preguntado que tienen las películas de boxeadores que siempre encantan? Es una de esas preguntas que, junto con la incógnita de la existencia misma, jamás se resolverán. Nunca he dudado (ni dudaré) del gran talento del vaquero Eastwood, ha otorgado cintas que trascenderán y es, además, referencia para cineastas más jóvenes. Pero nadie es perfecto y como dicen: "el que mucho abarca poco aprieta"; es imposible que un director que saca película cada año sea fantástico todo el tiempo. Golpes del destino es una historia de superación aderezada con un dramatismo insulso. Personajes entrañables, bien interpretados pero que, al final, solo son los mismos héroes gringos que el público (y la Academia) adoran.

LO + DECEPCIONANTE - Que Hilary Swank le haya ganado, por segunda vez, a Anette Benning por el mismo papel de marimacha.

6.- The Matrix (1999) dir. Wachowski brothers.

Corrian los últimos días del siglo XX y en las salas de cine se podía apreciar una película que combianaba acción y los mejores efectos visuales de la época con filosofía pura... ¡Ah, no mames! Obviamente, la tesis de la caverna de Platón en manos de Hollywood consiguió una bola de fanáticos que se cuentan por millones los cuales, seguramente, no tienen ni la menor idea de quien es Platón. Actuaciones pésimas, una historia casi incomprensible y una muchedumbre de fanáticos que siguen buscando en ella "la respuesta a la vida".

LO + DECEPCIONANTE - Que haya logrado dos secuelas que se cuentan entre lo peor que he visto en mi vida.

Capturing the Friedmans (2003) dir. Andrew Jarecki

2010-11-01T00:38:00.000-07:00

Debo confesar que el documental nunca ha sido un género que me atraiga en demasía, me declaro fiel seguidor del relato ficticio en el cine. A pesar de ello jamás he dudado de la capacidad del género documental para crear obras maestras donde, muchas veces, la realidad supera a la ficción.

El director Andrew Jarecki se proponía hacer un documental acerca de David Friedman, el mejor payaso de Nueva York cuando, por casualidad, se percató de que este se rehusaba responder preguntas acerca de su familia. Cual habrá sido su sorpresa al descubrir que esta se vio envuelta en un caso de pederastia en los años ochenta.

El caso va más o menos así: Arnold Friedman, esposo y amoroso padre de tres hijos varones y profesor jubilado, daba clases de piano y computación en las tardes cuando arrestado por la policía de Long Island por la posesión de pornografía infantil. Se pasó, entonces, a hacer un interrogatorio a todos sus alumnos y, sin ninguna prueba física, varios admitieron haber sido abusados sexualmente por su profesor y el hijo menor, Jesse, que ayudaba en las clases a su padre.

Culpados de cientos de delitos de pederastia, la familia Friedman graba un vídeo casero donde se documenta el día a día de sus integrantes mientras pasan por el proceso judicial del padre Arnold y, el hermano Jesse. Es aquí donde el director pone en evidencia la mayor cantidad de testimonios a favor y en contra, siempre tomando un punto de vista neutral. El espectador, entonces, se ve envuelto en una investigación policíaca que se combina con el drama de una familia destruida.

Dada la naturaleza incómoda del delito y la ambigüedad de las acusaciones, es difícil imaginar que una persona como Arnold Friedman pudiese cometer tales barbaridades. Mientras cartas y testimonios de personas cercanas nos aseguran lo contrario, logra que el espectador cambie de opinión a cada minuto del metraje. Se crea, entonces, una conexión entre personajes tan singulares, muy a pesar de que hayan sido satanizados y descritos como monstruosidades para la policía y los habitantes de Long Island.

Por terribles que sean las acusaciones, la injusticia y el show mediático al que fueron sometidos Arnold y Jesee Friedman resulta inaceptable. Las supuestas víctimas, junto con la sociedad norteamericana pasan a ser, entonces, los villanos de esta historia.

Testimonios de policias, investigadores y víctimas son montados a la par de las desgarradoras historias de la madre, el hermano mayor, David y Jesee; tratando de atrapar la verdad, esa escurridiza que, incluso al final del metraje, no se logra conseguir. No es solo un documental acerca de una investigación policiaca, si no la historia de se destruye la armonía familiar.

Calificación: E!

Biutiful (2010) dir. Alejandro González Iñarritu

2010-10-28T14:12:00.000-07:00

No es causa de sorpresa el hecho de que le haya tenido mala fé a esta película incluso antes de apreciarla, nunca he ocultado mi aversión a este director; su narrativa y estética me parecen pretenciosas y engañosas, especialmente en "Amores perros" y "Babel". Mucha de esa presunción de la que hablo la proporcionaba las siempre excesivamente melodramáticas historias de Guillermo Arriaga, esa obsesión por la atemporalidad, el dolor y la tragedia resultaba insulsa luego de tres largometrajes. Pero cualquiera merece una segunda (cuarta, en este caso) oportunidad. Así que me decidí ver, con toda la imparcialidad posible, la primera cinta del director mexicano sin su guionista de cajón.

Esta producción mexicana-española filmada enteramente en una desconocida y abrumadora Barcelona nos cuenta la historia de Uxbal (Javier Bardem), quien emprende una carrera a contra reloj para "arreglar" todos los asuntos que tiene pendientes luego de enterarse que pronto morirá. La miseria en la que se desenvuelve deja un panorama desolador a este héroe trágico: padre de una niña y un niño, cuya una madre es prostituta y bipolar; envuelto en el negocio del tráfico de inmigrantes chinos y africanos se desarrolla en una ciudad con poca esperanza. Es ahí donde el director se encarga de mostrarnos lo "biutiful" de la vida, esa búsqueda de lo perenne de esta que pronto terminará. La oscuridad, el contacto con la muerte y esos breves momentos de felicidad son los que llenan la miserable existencia de Uxbal.

Apoyado enteramente en un equipo de primer nivel, González Iñarritu nos entrega una cinta, artísticamente impecable. La fotografía del también mexicano Guillermo Prieto nos transporta a esos barrios de Barcelona, jugando con los colores de la noche, sombras que muestran la desolación y oscuridad; a la par de la siempre magnífica dirección de arte de Brigitte Broch y la claustrofóbica composición de Gustavo Santaolalla. Acompañado por un diseño de sonido muy atinado. Rematando con la impecable intepretación de Javier Bardem, en un papel por demás inmenso, voraz y melancólico.

Debo decir que aplaudo el talento visual que tiene el director, pero la cinta nunca llega a despuntar como se debe, fotogramas dolorosamente hermosos dejan ver, solamente, la obsesión del realizador por provocar esta clase de sentimientos al espectador promedio. Moviendo las piezas para retratar, por cuarta ocasión, una historia que ralla en el melodrama inaguantable. Tratando de impresionar en todo momento con esa crudeza visual que, nunca debe de estar por encima de la historia en sí. Al final no es más que una película llena de planos sin sentido. Se nota la falta de un guionista que, al menos, haga creíble tanta sufridera. Biutiful es aburrida, tediosa e incomprensible. Bardem es quien lleva todo el peso dramático del filme, haciendo de su personaje lo único creíble de esta apagada propuesta del director.

Calificación: R

Seres: Genesis (2010) dir. Angel Mario Huerta

2010-10-01T12:44:00.000-07:00

Ha quedado claro que la publicidad es vital para el éxito de una película mexicana. De eso depende que la gente se interese en ella y acuda a las contadas salas de cine donde se exhibe. Pero que pasa cuando esta publicidad es pretenciosa, es decir, cuando te venden gato por liebre. Me acaba de suceder algo parecido con el segundo largometraje de Angel Mario Huerta (director de la también fallida Inspiración con Barbara Mori y Arath de la Torre).

El argumento original no suena tan mal, de hecho, para los fans del género de ficción, resulta intrigante. La compañía de tecnología mexicana Owal Technologies liderada por el prof. Owen (Gonzalo Vega) tiene una subdivisión encargada de fenómenos paranormales y vida extraterrestre. Este personaje junta a algunos de sus mejores miembros para una misión, en base a profesias mayas se anuncia que el contacto extraterrestre está cada vez más cerca.

Pero pareciera como el director se empeñara por hacer una cinta cada vez más mala. La trama nunca avanza, es aburrida y tediosa; no existe suspenso alguno. Los diálogos son estúpidos, hasta para una cinta de serie B, incluso se nota cierta vergüenza en los actores al decir las lineas. Por si esto no fuera poco los efectos visuales son de lo peor, la fotografía es fallida y no existe ninguna frescura el filmar en Monterrey.

Es muy molesto por que el proyecto es ambicioso y pretencioso. Me vendieron el piloto de una mala serie de televisión como película. Me recordó a esas cintas como Vacaciones del terror con Pedrito Fernández, que resultaban en risas involuntarias. Pero esta película no funciona ni como esto, eviten el enojo y asistan a otra sala.

CALIFICACIÓN: AS

El estudiante (2009) dir. Roberto Girault

2010-09-08T02:29:00.000-07:00

La cuestión del éxito y el fracaso del cine mexicano ante el público local es algo que siempre me ha traído conflictos y enojos. No he podido encontrar una respuesta concreta al gusto del espectador local. Sin embargo la ópera prima del director mexicano Roberto Girault, que consiguió ser la más taquillera el año pasado, me ha abierto un poco más el panorama acerca de lo que el mexicano promedio busca en su cine nacional: si no son historias entretenidas con actores reconocibles (de la televisión), humor vulgar e insulso, son historias digeribles y aleccionadoras que no dejan cabida a una reflexión profunda.

La cinta nos cuenta la historia de "Chano" (Jorge Lavat) quien, a sus 70 años, decide entrar a la universidad a estudiar letras, luchando ante la adversidad cual Don Quijote de la Mancha (metáfora usada hasta el hartazgo en el film), en un principio será objeto de extrañeza y hostilidad por los demás pero logrará entrar al círculo de "los jóvenes". Con ayuda de su esposa "La sirenita" (Norma Lazareno), con quien lleva 40 años de matrimonio logrará superar las pruebas que le pone el destino y, ayudar a su peculiar manera, a sus nuevos compañeros.

La película es filmada en la ciudad de Guanajuato, lo cual termina por ser el único factor fresco que se puede mencionar del filme. Muy a pesar de sus aciertos técnicos, el guión es extremadamente fallido, con diálogos sosos, simplistas y anticuados la historia nunca avanza; aleccionando al espectador acerca de valores perdidos y tradicionalismos estúpidos como si en la vida solo existiera el negro y el blanco. Los actores no pueden hacer mucho con sus personajes: clichés mal desarrollados con historias de amor inverosímiles.

Al final solo es una película sentimental y didáctica para mentes muy cerradas. No hay mucho que reflexionar pues la "lección" de "nunca es tarde para el estudio" queda entendida de sobremanera desde el principio. Ahora dudo muchísimo más de la importancia que el público mexicano le da a la calidad de lo que consume.

Calificación: M

El secreto de sus ojos (2009) dir. Juan José Campanella

2010-08-15T17:44:00.000-07:00

Es ya bien sabido que una de las categorías más complicadas en los premios de la Academia es la de "Mejor película en lenguaje extranjero" (en este caso, en idioma distinto al inglés). La gran mayoría de veces da sorpresas impredecibles aun cuando haya una favorita. Las dos últimas veces que México compitió en esta categoría iba como favorita: por "El crimen del padre Amaro" de Carlos Carrera y "El laberinto del fauno" de Guillermo del Toro, ambas perdiendo ante las alemanas "Nowhere in Africa" y "La vida de los otros", respectivamente. Este año no fue la excepción, Michael Haneke iba como favorito por su obra maestra "La cinta blanca", sin embargo el premio fué para la argentina "El secreto de sus ojos".

El cine argentino es una de esas industrias cinematográficas latinoamericanas, relativamente "saludables" y, junto con México y Brasil estrenan la mayor parte de cintas habladas en español latino. Poseen realizadores muy diestros capaces de otorgarnos cintas de una insuperable manufactura e historias mucho más cercanas a la realidad inmediata. Juan José Campanella se consolida como un magnífico director de actores, así como un admirable guionista. El secreto de sus ojos conjunta distintos géneros cinematográficos: el thriller policiaco, el drama basado en deseos y pasiones, al más puro estilo clásico y el relato político hablando de mafias e impunidades en una época difícil para Argentina, los 70's.

La cinta nos narra la historia de Benjamín Espósito, secretario de juzgado en Buenos Aires jubilado. Este hombre intenta escribir una novela acerca de un brutal asesinato que ocurrió en el 75, reviviendo, así una violenta y dolorosa historia que, aún en su vejez lo sigue atormentando. Es así como, a manera de flash backs y maravillosas secuencias el director nos cuenta una historia que nos recuerda a esos clásicos norteamericanos, planos de una absoluta belleza, así como actuaciones perfectas, solventadas mucho más en la contención que en el drama exagerado. Soledad Villamil, Ricard Darín y Guillermo Francella estan soberbios. Un guión bien concebido, que atrapa al espectador desde el primer momento. Una fotografía exquisita y una partitura que va perfecta con la narración.

Entonces... ¿qué le falta a "El secreto de sus ojos" para ser una obra maestra? Es que precisamente Campanella se esmera demasiado en esa perfección cinematográfica para lograr una historia interesante y resuelta que el público digiera de manera muy simple. Algunos diálogos son exageradamente poéticos y. a pesar de que las secuencias son majestuosas (en especial el plano-secuencia del estadio) se nota algo de pretensión. Aún así la película es maravillosa en su narrativa y perfecta en su presentación.

Calificación: MB

Inception (2010) dir. Christopher Nolan

2010-08-13T02:29:00.000-07:00

No iba a poner reseña sobre esta película ya que se ha escrito mucho sobre ella. Quería un blog más alternativo pero ¡Que va! Christopher Nolan se merece muchas opiniones y redacciones. Este director se ha convertido en un caso extraño para la industria hollywoodense, ya que sus películas han sido, a la vez, hits de taquilla, así como películas interesantes, originales y de una calidad insuperable. Algo cada vez más difícil en este medio carente de originalidad y autores inteligentes en sus propuestas. Con "The dark knight" Nolan llegó a un lugar en el que los estudios apoyan sus caprichos... ¿es esto bueno?

Es que el argumento de "El origen", valga la redundancia, no es tan original como parece. Directores de la talla de David Lynch, Luis Buñuel o, incluso el francés Michel Gondry ya se habían aventando grandes tratados acerca del inconsciente y los sueños, cada uno a su peculiar manera. Entonces, el caso es que la idea de poder meterse en los sueños de las personas no es un gran descubrimiento. Lo que plantea Nolan, básicamente, es un rollo más corporativista en el que ya hay una industria que se dedica a sustraer elementos del subconsciente para fines lucrativos.

Un experto en la materia es Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) quien se ha ganado, dado el esmero en su trabajo, ser también un fugitivo de la justicia. Gracias a un magnate oriental (Ken Watanabe), Cobb tiene la oportunidad de realizar un último trabajo con el que logrará la libertad. Esta tarea requiere hacer lo opuesto a robar información, se trata de implantar una idea (inception, del título original) en la mente de un millonario heredero (Cilliam Muphy). Con la ayuda de un su equipo de expertos: el técnico Arthur (Joseph Gordon-Levitt), la aprendiz jóven y audaz (Ellen Page), el químico Yusuf (Dileep Rao) y el imaginativo Eames (Tom Hardy) tratarán de llegar con éxito a una hazaña solo lograda por el mismo Cobb años atrás.

La trama en sí es complicada, no quisiera adelantar demasiado, basta decir que se añade el personaje de la esposa de Cobb, Mal (Marion Cotillard) quien se encarga de meter en problemas al subconsciente de esposo. El realizador se toma mucho tiempo en explicaciones del universo en el que están plantados tratando de meter varias sub-tramas y enredándose en una narrativa que no fluye de manera correcta. El espectador se ve en la problemática de disfrutar el deleite visual, seguir la historia o entender la complicada tesis de Nolan acerca de los sueños. Para los que tratamos de hacer las tres, hayamos muchos errores.

El realizador carece de originalidad al retratar el mundo onírico, pues la imaginación y lo imposible de los sueños es tratado por reglas demasiado planas y simples. Lugares comúnes que tapa con efectos especiales y secuencias de acción. Sin embargo el mundo de los sueños nunca logra ser, irónicamente, "creíble". Los giros argumentales se sienten forzados ante una trama en donde el final se vislumbra casi desde el inicio. Se extraña esa agudeza en el guión de The Dark Knight, donde esos giros argumentales realmente exigían la participación del espectador, llevando la historia a un nivel mucho más alto de profundidad y sorpresa. Aquí simplemente se llenan esos huecos con escenas de acción, eso si, perfectas, pero vacías y desgastantes.

El apartado técnico es, como siempre, de lo mejor. La fotografía exquisita con un diseño de producción envidiable acompañado de una edición y efectos visuales perfectos. Se agradece la perfección que el director siempre pone en sus proyectos. Una partitura también muy apreciable logran secuencias que dejan muy buen sabor de boca. En cuestión de los actores, ninguno parece sobresalir, todos los personajes parecen estar programados para una sola cosa, sin profundizar en nada más. Como piezas de ajedrez destinadas a algo ya predeterminado. Leonardo DiCaprio logra una actuación simplemente buena, tal vez la única del reparto que llama la atención, a mi opinión, es Ellen Page; con una frescura que sorprende en las escenas donde aparece, su personaje siempre va más allá de la sosa trama. Los demás actores están desaprovechados, en especial Cotillard y Gordon-Levitt.

En resumen "El origen" no es la gran cinta que pretendía disfrutar. Resulta una mala ejecución de una idea de su director. Pudo haber trabajado mucho más en ella tal vez desde un escenario más independiente. Ya vemos lo que sucede cuando a un cineasta de culto le dan demasiado dinero.

Peor para los que tuvimos que verla primero doblada al español gracias a las distribuidoras mexicanas, pero esa es otra historia...

Calificación: B

Das weiße Band, Eine deutsche Kindergeschichte (2009) dir. Michael Haneke

2010-07-16T18:29:00.000-07:00

Al fin pude disfrutar la ganadora indiscutible del festival de Cannes, que impacta desde el cinismo del título. "Das weiße Band, Eine deutsche Kindergeschichte" (literal: La cinta blanca, un cuento infantil alemán). Con esa desfachatez, el austriaco Michael Haneke nos presenta lo que significa no solo su obra maestra, si no una verdadera obra de la cinematografia mundial.

La cinta blanca cuenta la historia de un pequeño pueblo protestante en la Alemania anterior a la Primera Guerra Mundial, donde tendrá lugar una serie de misteriosos y brutales acontecimientos, los cuales pondrán a temblar la aparente calma en que se vive ahí. El viejo profesor (quién, además es el personaje que investiga los acontecimientos) nos narra en voz en off su experiencia tras estos incidentes.

Me encuentro ante una obra cinematográfica, por demás extraña en su tratado y en su presentación. De entrada no me sorprende que le hayan negado el Oscar a la mejor cinta en idioma extranjero, pues aunque es un hecho que esta es muy superior a la argentina "El secretos de sus ojos" no deja de ser una muestra de cine no-amable con el público ávido de historias interesantes y resueltas, las cuales no dejan espacio a la reflexión y al análisis profundo. Agradecido estoy con el director pues su película me ha llevado a un exhaustivo estudio.

La narración nos va llevando por la vida de más de 20 personajes habitantes del pequeño poblado, azotado por la incertidumbre de crímenes sin resolver se hunde en una ola de mentiras, secretos e hipocresías en un vaivén en donde se sumerge al espectador en la cotidianidad para ser atrapado más adelante por la oscura fábula de Haneke.

El director construye en este metraje una tesis acerca de las raíces de la perversión y la maldad, aquella que vive dentro de cada ser humano, en donde las apariencias son relativas. La idea de la inocencia en la niñez es puesta no solo en duda, si no que es el hilo negro que lleva a la historia a límites de una violencia casi silente, pero perturbadora. El análisis temporal es trascendente, nos encontramos ante un cuento que rosa con los inicios del nazismo, es importante apreciar este tratado que hace el autor. La película nos situa en un periodo histórico específico, retratando a las personas que más adelante se convertirán en los peores asesinos de la historia.

De la mano de una majestuosa fotografía en blanco y negro a cargo de Christian Berger, una de las mejores muestras de este complejo arte que he podido apreciar, nos transporta inmediatamente a la oscuridad de la Alemania de principios de siglo. Una danza en blanco y negro, basado en luces, sombras, rostros y emociones paisajistas que recuerdan a Bergman y Tarkovski. Con una camara lenta y un ritmo pausado el autor nos otorga secuencias espeluznantes sin recurrir a la violencia gráfica, si no al manejo dramático de los personajes y situaciones donde no hay cabida a sentimentalismos cursis o artificiales. Un reparto maravilloso en su mayoría niños y jóvenes son la piedra angular de la película, otorgan interpretaciones perfectas.

Una gran recomendación de cine alternativo, ese que requiere un análisis íntegro de un cine que no solo se ve, se observa y se siente.

Calificación: E!

Hunger (2008) dir. Steve McQueen

2010-07-15T02:34:00.000-07:00

Irlanda del Norte, 1981. Cárcel de máxima seguridad de Maze. Davey Guillen llega como preso a este lugar, encontrándose Gerry Champell, alguien ya acostumbrado a la difícil vida ahí. Los días transcurren tanto para ellos como para los guardianes como Raymond Lohan, que más adelante serán víctimas de un motín.

La ópera prima del director Steve McQueen retrata la existencia en esta prisión, así como la huelga de hambre iniciada por Bobby Sands como protesta a favor de conceder un estatus diferente a los presos republicanos en el conflicto de Irlanda del Norte.

De entrada estamos ante una muestra de cine político e histórico presentada a nosotros con una belleza extrema. No es de extrañarse que los cineastas irlandeses sean hábiles en tocar temas nacionales incómodos; como lo hizo en su momento Peter Mullan con "The Magdalene Sisters" o Ken Loach en "The wind that shakes de barley" hablando de los hogares/prisión Magdalena y de la guerra civil irlandesa, respectivamente. Cintas polémicas y duras en su planteamiento al tocar un tema difícil, en este caso la inconcebible vida en la prisión. Sumergiendo al espectador en la vida y sentimientos de presos y oficiales por igual.

Uno de los mejores debuts cinematográficos de la década a cargo de Steve McQueen, haciendo gala de un poderosísimo estilo visual y narrativo, así como de un guión con pocos diálogos e imágenes plagadas de emoción mórbida. Esos cuadros llenos de crudeza, la misma que reflejan las extraordinarias interpretaciones. El difícil trabajo de filmar la violencia en su máxima expresión, sin conceder artificios al presentarla al espectador.

Impactante interpretación de Michael Fassbender (Inglorious Basterds), poniendo en riesgo su propia salud al bajar 16 kilos para, reflejar la agonía que sufre el personaje al morir de hambre. Todo esto nos deja una cinta violenta, dura, cruda; difícil de digerir pero de una pasmosa belleza y honestidad.

CALIFICACIÓN: E

Daniel & Ana (2009) dir. Michel Franco.

2010-06-19T20:40:00.000-07:00

Después de pasar por varios festivales internacionales, llega la ópera prima del realizador mexicano Michel Franco al lugar donde fué filmada. Las críticas buenas y malas no se hicieron esperar lo que resultó en una cinta muy polémica en distintos sentidos. No es para menos, ya que trata un tema sumamente mórbido.

Daniel y Ana son dos hermanos que viven en la Ciudad de México, de familia adinerada, disfrutan de la vida cómodamente. Ella está a punto de casarse y él es un estudiante de preparatoria que bien cabe en el adjetivo de "normal". No creo que contar más de la trama sea correcto, solo he de decir que ambos sufren de un violento altercado de la delincuencia que vuelca sus vidas hasta llevarlas al límite.

Es evidente la poca experiencia que tiene el realizador, ya que la cinta no logra convencer del todo, cinematográficamente hablando. Con una cámara estática, tomas largas, una ambientación minimalista y de contención dramática, Franco aborda la historia de una manera sumamente áspera y nada agradable. No me atrevería a afirmar que resulta algo pretencioso, pues la narrativa es bastante ambigua, es decir ¿cuál sería la forma correcta de contar una historia así?

Varias de las críticas me han parecido infundadas, se ha calificado al filme de "contraproducente". Obviamente se tocan varios temas delicados, en este caso la delincuencia en la Ciudad de México, de la misma forma poniendo a la clase alta indefensa; además de la incomunicación en estas familias preocupadas más por un estatus que por la salud y seguridad de los suyos. El guión maneja varios altibajos y no sabe resolver de manera correcta las escenas, sacando a relucir la estética que no siempre va de la mano con la narrativa. Aplaudo la actuación de Marimar Vega, quien sabe cargar con el protagónico en una interpretación sólida, es en sus silencios donde proyecta todo el dolor de su personaje. El reparto restante hace un trabajo correcto y el debutante Dario Yazbek Bernal se siente aún muy verde.

Difícil poner una calificación objetiva al esfuerzo colectivo en este trabajo. Por un lado creo en el gran valor del director de contar una historia de esta manera llevándola contra corriente. Son evidentes los errores y la pretención que muestra en los planos, forzando al espectador a mirar la pantalla con las tripas y sentir un vacío no siempre justificado. Una muestra de cine arriesgado, vale la pena darle la oportunidad de confrontar opiniones a este trabajo cinematográfico tan ambiguo.

Calificación: B

Moon (2009) dir. Duncan Jones

2010-06-18T23:55:00.000-07:00

Ópera prima del hijo de David Bowie se revela como una de las cintas de ciencia ficción más originales que he visto en los últimos años (tal vez superada, solo por District 9). La muestra perfecta de que no se necesitan efectos especiales espectaculares, famosas estrellas y millones de dolares en la producción para crear una cinta de este género, claro ejemplo de cine independiente e inteligente.

Narra la historia de Sam Bell (Un más que maravilloso Sam Rockwell) quien se encuentra aislado en una base lunar minera que se encarga de suministrar combustible saludable a la Tierra. Alejado de todo contacto humano, solo convive con su robot llamado Gerty (con la genial voz de Kevin Spacey), una especie mucho menos siniestra que el HAL 9000 que se encarga de "mantenerlo a salvo". Sam cuenta los días para salir por fin de la base espacial y reencontrarse con su familia luego de varios años de retraimiento. A un par de semanas de dejar la base Sam sufre un accidente que le hará darse cuenta de que no está solo en aquel lugar y, además, es parte de una gran falacia corporativista.

Manejada como un thriller de suspenso laberintico, Moon tiene un ritmo pausado pero bien llevado. A la par de una margínica fotografía, diseño de producción y una música de Clint Mansell que logran una estética inmejorable de ciencia ficción. Mucho más parecida a 2001: Odisea espacial que a cualquier cinta hollywoodense del género. Duncan Jones maneja diversos temas en medio de la confusa pero sumanente ágil trama. Se mete en una tesis acerca del doble yo, la inteligencia artificial y la crítica al corporativismo. Todo para otorgarnos una cinta muy disfrutable en términos de entretenimiento, al igual que muchos cuestionamientos filosóficos y morales.

Otro gran acierto del filme es la gran interpretación de Sam Rockwell, quien se la juega otorgando a un personaje muy complejo, el espectador es inmediatamente seducido por el juego de personalidades que propone el director y que es llevado de la mano por el actor. Además del personaje de Gerty quien, en base a la voz de Kevin Spacey y una serie de emoticos (felices, tristes y preocupados) logran dar en el blanco a la emoción y proyectar lo que la narrativa necesita. En resumen una cinta súper recomendable, especialmente para los amantes del género, luego de estas grandes cintas quedo convencido de que la ciencia ficción ha encontrado nuevas voces que la llevarán a un siguiente nivel.

Calificación: E

Persépolis (2007) dir. Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud

2010-05-20T15:41:00.000-07:00

Basado en la novela gráfica de Marjane Satrapi y ganadora de infinidad de premios, así como el premio especial en el festival de Cannes, Persépolis es una joyita de la animación contemporánea, habla de un tema social y político importante pero, abordado desde un punto de vista personal y sensible, con un gran sentido del humor nunca cae en el sentimentalismo y el lamento.

Nos cuenta la historia autobiográfica de una niña iraní en pleno fundamentalismo islámico, hasta nuestros días. De pequeña es testigo del duro régimen que obligaba a las mujeres a llevar velo y a encarcelar a los opositores. Ella presencia el terror de la guerra entre Irán e Irak mientras escucha a Iron Maiden. Al llegar a la adolescencia es enviada por sus padres a Europa donde vive en carne propia la sensación de encontrarse en una cultura completamente ajena que ella misma describe como inconsciente. Tras experimentar la amargura del desamor, la soledad y, a causa de una depresión regresa a casa solo para encontrarse a ella misma sometida a un régimen y a una sociedad tiránica.

Poseedora de una estética inmejorable, con una animación tradicional en blanco y negro con toques de color en algunas secuencias, los directores logran un estilo único cargado de fuerza en las imágenes aveces realista y abstracto. Solo para expresar de manera perfecta el mar de emociones por los que pasa la protagonista. Personajes sumamente interesantes e imágenes poéticas, especialmente el personaje de la abuela: sus palabras son duras verdades de la vida. La narración es efectiva con una mezcla entre el drama profundo y reflexivo, así como del humor ácido e irónico, muy inteligente.

Todo esto sin ninguna pretensión de ser propagandista ya que no está completamente en contra del fundamentalismo islámico, si no de cuestionar cualquier clase de régimen que corte la libertad, dejando no una dura lección ética si no, cuestionamientos y muchas reflexiones. Una gran recomendación de cine alternativo, para quienes saben disfrutarlo.

Calificación: E

The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009) dir. Terry Gilliam

2010-04-29T01:23:00.000-07:00

Oficialmente, la última película en donde actuó el fallecido Heth Ledger, resulta el regreso del director Terry Gilliam al espíritu onírico de películas como Brazil (1985) y Las aventuras del barón Munchausen (1988); resaltando el cuidado en la creación de imaginativos mundos llenos de simbolismos y cuestionamientos filosóficos. Recapitulando así, la tesis del autor acerca de la naturaleza de la imaginación, dando pie a una historia más loca y surrealista que en sus más recientes películas (como Tideland (2005), por ejemplo).

La cinta nos cuenta la historia del Dr. Parnassus (Christopher Plummer), quien posee el extraordinario don de guiar la imaginación de los demás. Lamentablemente en el recae la maldición de la inmortalidad, siglos atrás hizo una apuesta con el diablo (Tom Waits), quien a cambio de la juventud él le daría a su hermosa hija Valentina (Lily Cole) en cuanto esta cumpliera los 16 años. El cumpleaños de ella se acerca, el ayudante del Dr., Anton (Andrew Garfield) está cada día más enamorado de ella y, mientras el diablo tiene una apuesta más que hacerle al Dr. para que este se quede con su hija, aparece un misterioso, seductor e inteligente personaje llamado Tony (Heath Ledger), quien será el encargado de darle un nuevo giro a la vida del Imaginario del Dr. Parnassus.

Terry Gilliam nos ofrece una película de la mejor calidad con una fotografía muy bien lograda y un diseño de producción majestuoso que nos lleva a un viaje a través de un sueño, plagado de infinidad de simbolismos, los cuales estan ahí solo para quien este dispuesto a encontrarlos. Gracias a algunos arreglos en el guión, el papel de Heath Ledgar es perfectamente complementado con las interpretaciones de Johnny Deep, Jude Law y Colin Farrell (en mi opinión, el mejor de los 3). Ningún actor cae en la sobreactuación y la historia, a pesar de ir en círculos reiterando el nudo de la narración, sale a flote gracias al tratamiento de esta como si fuese un cuento. El carisma de Heath Ledger es explotado de manera correcta haciendo de esta una muy buena última actuación, aunque en lo personal me quedo con la de Andrew Garfield, quien interpreta al ayudante del Dr. Parnassus eternamente enamorado de su hija Valentina.

El mesaje de la película es simple, nos habla acerca de las elecciones y las responsabilidades que tenemos como seres humanos, pero la cinta, al igual que la mayoría de las del director, contiene otras lecturas que conviene analizar con detenimiento. Por que hay varias frases e imágenes que se quedarán en el colectivo por mucho tiempo después de la proyección. El mismo Dr. Parnassus no es un hombre ambicioso, si no espiritual "Yo no quiero gobernar al mundo, quiero que se gobierne solo". A causa de su idealismo hace apuestas con el diablo con la esperanza de tener juventud y vida eterna (algo codiciado por cualquier ser humano). Y es que, el doctor no crea las imaginaciones de los demás, si no que son las personas las creadoras de esta y de su propio mundo, creo que aquí es donde recae el valor de la película de Gilliam, el recordarnos el valor de imaginar y la responsabilidad de la humanidad de ser forjadores del destino de la misma.

Calificación: E

Cinco días sin Nora (2008) dir. Mariana Chenillo

2010-04-19T14:03:00.000-07:00

Ganadora de infinidad de premios nacionales e internacionales, Mariana Chenillo se revela, con esta, su ópera prima como una talentosa realizadora a la que hay que seguir muy de cerca en sus siguientes proyectos. "Cinco días sin Nora" resulta una muy bien lograda cinta que debería de estar como ejemplo de "como se debe de hacer cine".

Ambientada en la Ciudad de México, en un departamento en Polanco somos testigos del suicidio de Nora, una mujer ya en el ocaso de su vida, quien al fin logra quitarsela luego de casi 15 intentos fallidos. Su ex esposo José (Un magnífico Fernando Luján en lo que, tal vez, sea el mejor papel de su grandiosa carrera) con quien esta divorciado desde hace casi 20 años, sigue siendo su vecino más próximo, descubre el cadáver. Don José no tarda en descubrir que el suicidio de su ex esposa fué perfectamente planeado para coincidir con la festividad Judía del Pésaj y con diversas situaciones. Pronto se nos presentan una serie de maravillosos personajes, quienes a causa de la muerte de Nora, confrontarán con el viudo José, haciendo que el mismo pase por un viaje de descubrimientos, tan solo para descubrir que Nora fué el amor de su vida. Todo esto se junta de manera perfecta en un humor negro y ácido pero, a la vez, sencillo y sin pretenciones.

Mariana Chenillo logra una cinta perfecta en todos los sentidos: un guión bien escrito, actuaciones magistrales y un ritmo muy bien llevado, todo esto aderezado con una dirección sobria, correcta y sensible. Los personajes estan de lo mejor, empezando por Don José quien se confronta a las rígidas costumbres judías convencido de que su ex esposa planeo todo para joderle la vida. El hijo que llega con su esposa y sus adorables hijas (Ari Brickman y Cecilia Suarez), el fiel y noble Moisés (Enrique Arreola) quien será la antítesis del propio Don José, la tía Leah (Verónica Langer) simpática, cegatona y metiche; así como la nana Fabiana (Angelina Pelaez), quien maquillará a la muerta para que parte, bellísima, al más allá. Logran una película sencilla pero entrañable, una fotografía y diseño sobrio, así como un bien logrado montaje, marcado por el timbre de la casa de Nora y los visitantes, hacen de esta una cinta mexicana de la mejor calidad, demostrando que no hacen falta historias pretenciosas ni grandes producciones para llegar a tocar esas fibras sensibles en el espectador.

Calificación: E!

Where the wild things are (2009) dir. Spike Jonze

2010-04-17T04:19:00.000-07:00

Después de muchos impedimentos al fin pude disfrutar la nueva (¿Cuál nueva? Se estrenó el año pasado) película del director Spike Jonze. He de confesar que el temor me invadió unos momentos antes de comenzar el metraje pues, al ser un filme tan esperado, me dediqué a bajar cientos de trailers, entrevistas, soundtracks, etc. Lo cual me hacía tener grandes espectativas de la misma, temía que Jonze no las llenara.

Como la mayoría sabemos, la cinta está basada en el libro para niños de Maurice Sendak, siendo este un libro de no más de 15 páginas uno se pregunta como le hicieron para llenar una película de, aproximadamente 100 minutos. Con la ayuda del propio Sendak y el guionista Dave Eggers, Jonze escribió una historia mucho más profunda que la contada en el pequeño libro, sacando la escencia del mismo para contar su propia versión de Max y el lugar donde viven los monstruos.

Max es un niño imaginativo, inteligente y, muchas veces, incomprendido; tras una discusión con su madre este se interna en el bosque, consigue una balsa y llega a una isla habitada por monstruos quienes deciden convertirlo en su rey. Con la condición de que Max arregle todo su mundo hasta hacerlo "perfecto", convirtiendo a ese lugar en un campo de juego y diversión eternas. Pronto Max se dará cuenta que sus nuevos amigos monstruos son unas criaturas solitarias, depresivas y tristes a quienes es muy difícil ayudar.

La cinta definitivamente no es para niños, pues no está contada de manera amigable y el mensaje de la cinta puede resultar confuso para los pequeños. La película es para el niño que existe en todo adulto y es que, absotulamente todos lo fuimos alguna vez. Plagada de nostalgia hacia la niñez la historia encuentra en los monstruos la manera perfecta de recrear las tristezas y sin sabores de la madurez y como este mundo no puede ser uno de eterna diversión y juegos. Max, como creador de su mundo, es la metáfora perfecta de cada individuo inventor de su propio entorno, el cual se ve limitado gracias al rígido mundo adulto, un lugar en donde no está permitido gruñir y ser salvaje, Max huye a un sitio donde puede hacer lo que quiera.

Con un trabajo artístico envidiable, pues la fotografía, el diseño de producción y la música a cargo de Carter Burwell y Karen O., nos transportan al viaje de Max, para que el espectador no solo lo observe, si no que viaje en el barquito de sus recuerdos hasta ese monento, hasta esos juegos y esas ganas de brincar y participar en una guerra de tierra. El personaje de Max es perfectamente identificable en todos nosotros mientras que cada uno de los monstruos es poseedor de una personalidad compleja, pero no por ello menos depresiva y adorable (Especialmente Caroll). Temas como la soledad, la infelicidad , la madurez o la busqueda de la perfección son tratados por Jonze de una forma sencilla y sin pretenciones. Una obra pequeña pero de gran alcance para cualquiera que este dispuesto a viajar con Max, pues como el trailer lo dice "En cada uno de nosotros se encuentra algo salvaje".

Calificación: E!

Ganadores de recuento cinematográfico

2010-04-13T21:36:00.000-07:00

Antes de que todo el mundo se entere de los ganadores del Ariel 2010 pues ya dejo los resultados de mi recuento cinematográfico. Traté de ser lo más justo, imparcial y profesional en todas las categorías, así que espero les parezcan los ganadores. Prometo ya dejar estos recuentos y poner críticas, así que esperen pronto una nueva crítica/reseña de alguna peli.

CINE MEXICANO

Recuento cinematográfico 2010 (Cine Mexicano)

2010-04-01T00:46:00.000-07:00

Retrasadísimo que ando ultimamente pero me vi en esa penosa situación de estar enfermo, en cama y sin ganas de pensar en el blog así que, obviamente, los ganadores del recuento mundial y de cine mexicano tendrán que esperar un par de días pero... aqui estarán.

Orgullosamente presento la "Edición Bicentenario" del recuento cinematográfico mexicano (es que está de moda de ponerle a todo lo que sea mexicano asi en el 2010). Igual espero muchos comentarios y pues, a seguir apoyando el cine mexicano que aún seguimos tienendo bastantes problemas con la exibición; esta sigue siendo injusta y desigual. Vemos la crisis creativa que tiene hollywood y, aún asi, corremos a llenar las salas con sus películas carentes de buenas historias en vez de voltear a nuestro cine que, con pocos recursos, cuenta con historias y artistas sumamente originales y creativos.

Recuento cinematográfico 2010

2010-03-20T01:04:00.000-07:00

¡Por fin! He terminado mi recuento cinematográfico, en lo que a películas del 2009 respecta. Algunas de las categorías habituales cambiaron o desaparecieron para dar paso a otras que, a mi parecer, son más importantes. En la mayoría de los casos se nominó a 5 candidatos, con excepción de algunas en las que quedaron 6. Varias cintas del 2009 quedaron fuera por que aún no tienen fecha de estreno en México como: "A single man" o "Bright Star". Los ganadores se darán a conocer en exactamente 1 semana: Sábado 27 de marzo y mi recuento de cine mexicano el próximo lunes.

Espero comentarios :D

Predicciones para el Oscar 2010 by Togno G.

2010-03-05T12:52:00.000-08:00

Best Motion Picture of the Year

• Avatar: James Cameron, Jon Landau

• The Blind Side: Gil Netter, Andrew A. Kosove, Broderick Johnson

• District 9: Peter Jackson, Carolynne Cunningham

• An Education: Finola Dwyer, Amanda Posey

• The Hurt Locker: Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier, Greg Shapiro

• Inglourious Basterds: Lawrence Bender

• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Lee Daniels, Sarah Siegel-Magness, Gary Magness

• A Serious Man: Joel Coen, Ethan Coen

• Up: Jonas Rivera

• Up in the Air: Daniel Dubiecki, Ivan Reitman, Jason Reitman

Aquí está complidado, esta vez hay 10 nominadas. Tomando en cuenta que los votos se dividirán más que antes, la victoria podría ser para AVATAR, sin embargo yo creo que apostaré por THE HURT LOCKER, ya que se ha ganado la mayoría de los premios en casi todos los sindicatos, de no ganar ninguna de esas dos UP IN THE AIR podría dar la sorpresa.

Mi apuesta: THE HURT LOCKER

Quiero y tengo la esperanza de que gane: INGLORIOUS BASTERDS

Best Performance by an Actor in a Leading Role

• Jeff Bridges for Crazy Heart

• George Clooney for Up in the Air

• Colin Firth for A Single Man

• Morgan Freeman for Invictus

• Jeremy Renner for The Hurt Locker

La pelea aquí está definitivamente entre GEORGE CLOONEY y JEFF BRIDGES, aunque las apuestas corren más por este último. No tiene ningún Oscar y la academia lo ha nominado ya en varias ocasiones, una carrera que debe de ser reconocida. COLIN FIRTH podría dar la sorpresa pero lo veo muy lejano, es británico y, aunque no lo parezca, es su primera nominación. Además de que ‘A single man’ solo tiene esta nominación.

Mi apuesta: JEFF BRIDGES, CRAZY HEART

Quiero y tengo la esperanza de que gane: COLIN FIRTH, A SINGLE MAN

Best Performance by an Actress in a Leading Role

• Sandra Bullock for The Blind Side

• Helen Mirren for The Last Station

• Carey Mulligan for An Education

• Gabourey Sidibe for Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

• Meryl Streep for Julie & Julia

Siendo HELEN MIRREN la que menos posibilidades tiene de la terna, la hacen una muy rara. GABOUREY SIBIDE es muy novata y, definitivamente no tiene aptitudes para ser dueña de un Oscar. CAREY MULLIGAN podría dar la sorpresa, pero al igual que Colin Firth es británica y es su primer papel relevante. La pelea se centrará entre MERYL STREEP y SANDRA BULLOCK, la balanza aquí se pone complicada, pues mientras a Meryl se la deben y es justo y necesario un Oscar para esta actriz, Sandra Bullock es la favorita en la mayoría de las ternas; además la cinta de Streep solo tiene esta nominación y ‘The blind side’ está nominada a mejor película.

Mi apuesta: SANDRA BULLOCK, THE BLIND SIDE

Quiero y tengo la esperanza de que gane: MERYL STREEP, JULIE & JULIA o CAREY MULLIGAN, AN EDUCATION.

Best Performance by an Actor in a Supporting Role

• Matt Damon for Invictus

• Woody Harrelson for The Messenger

• Christopher Plummer for The Last Station

• Stanley Tucci for The Lovely Bones

• Christoph Waltz for Inglourious Basterds

Creo que la única categoría que siento realmente segura. Ninguno de los contendientes tiene un papel de verdad impresionante, si alguno puede arrebatarle el Oscar a CHRISTOPH WALTZ seria MATT DAMON y eso sería la mayor injusticia en la historia del premio (aunque bueno, si ya ganó Crash).

Mi apuesta: CRISTOPH WALTZ, INGLORIOUS BASTERDS

Quiero y tengo la esperanza de que gane: CRISTOPH WALTZ, INGLORIOUS BASTERDS

Best Performance by an Actress in a Supporting Role

• Penélope Cruz for Nine

• Vera Farmiga for Up in the Air

• Maggie Gyllenhaal for Crazy Heart

• Anna Kendrick for Up in the Air

• Mo'Nique for Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Otro premio casi seguro, la única que podría ganarle el premio a MO’NIQUE sería Julian Moore por ‘A single man’ y no consiguió estar nominada. Además es la oportunidad de darle un premio a PRECIOUS que, al parecer, solo conseguirá este galardón.

Mi apuesta: MO’NIQUE, PRECIOUS

Quiero y tengo la esperanza de que gane: Basicamente, ninguna. Juliane Moore por ‘A single man’ además de Melanie Laurent y Diane Kruger por ‘Inglorious basterds’ fueron completamente ignoradas, así que me da igual a quien se lo den. Si he de preferir a alguna tendría que ser a MAGGIE GYLLENHAAL, CRAZY HEART por su carrera en cine independiente y no precisamente por el papel

Best Achievement in Directing
•    Kathryn Bigelow for The Hurt Locker
•    James Cameron for Avatar
•    Lee Daniels for Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
•    Jason Reitman for Up in the Air
•    Quentin Tarantino for Inglourious Basterds
Gracias al premio del gremio de realizadores y el BAFTA KATHRYN BIGELOW se posiciona como la favorita, JAMES CAMERON se quedará solo con el Globo de Oro, a no ser que la academia quiera premiar a ‘Avatar’ ´pero en este rubro la veo difícil. Si alguien puede dar la sorpresa es JASON REITMAN. La deuda que la academia tiene con QUENTIN TARANTINO es ya grande, aunque poco les importe pues sus películas no son políticamente correctas.
Mi apuesta: KATHRYN BIGELOW, THE HURT LOCKER
Quiero y tengo la esperanza de que gane: QUENTIN TARANTINO, INGLORIOUS BASTERDS

Best Writing, Screenplay Written Directly for the Screen

• The Hurt Locker: Mark Boal

• Inglourious Basterds: Quentin Tarantino

• The Messenger: Alessandro Camon, Oren Moverman

• A Serious Man: Joel Coen, Ethan Coen

• Up: Bob Peterson, Pete Docter, Thomas McCarthy

Aquí faltó ‘(500) days of summer’ así que la pelea está entre MARK BOAL y QUENTIN TARANTINO, tomando en cuenta que ‘The hurt locker’ ganará el premio mayor, lo justo es que ‘Inglorious basterds’ se lleve el premio de guión como ‘Pulp Fiction’ en el ’94. Todo puede pasar así que ‘The hurt locker’ tiene muchas oportunidades de llevarse este premio.

Mi apuesta: INGLORIOUS BASTERDS, QUENTIN TARANTINO

Quiero y tengo la esperanza de que gane: INGLORIOUS BASTERDS, QUENTIN TARANTINO

Best Writing, Screenplay Based on Material Previously Produced or Published

• District 9: Neill Blomkamp, Terri Tatchell

• An Education: Nick Hornby

• In the Loop: Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche

• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Geoffrey Fletcher

• Up in the Air: Jason Reitman, Sheldon Turner

Este premio se ve un poco más seguro que el anterior. El ganador será JASON REITMAN, le deben un premio y el no ganar como director este premio le servirá de consolación. Además de que si es una gran historia y un guión que refleja mucha madurez, algo que la academia ha estado buscando premiar desde hace años.

Mi apuesta: UP IN THE AIR, JASON REITMAN, SHELDON TURNER

Quiero y tengo la esperanza de que gane: AN EDUCATION, NICK HORNBY

Best Achievement in Cinematography

• Avatar: Mauro Fiore

• Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte: Christian Berger

• Harry Potter and the Half-Blood Prince: Bruno Delbonnel

• The Hurt Locker: Barry Ackroyd

• Inglourious Basterds: Robert Richardson

Otra categoría complicada, empezando por el hecho de que solo uno de los contendientes es norteamericano. ROBERT RICHARDSON por ‘Inglorious basterds’ ya tiene un Oscar, así que dudo que se lo vuelvan a dar, este premio ha caído en manos extranjeras muchas veces siendo algo que en lo que respecta a esta categoría la academia no tiene prejuicios. A BRUNO DELBONNEL se la deben, con esta ya suma su tercera nominación (había estado nominado por Amelie y Amor eterno), sin embargo Harry Potter no es una carta fuerte este año, ya la nominación es sorpresiva. La pelea está entre CHRISTIAN BERGER y BARRY ACKROY; siento objetivos el premio debería de ser para CHRISTIAN BERGER ya que acaba de ganar en el gremio de fotógrafos y su trabajo en blanco & negro de ‘The White ribbon’ es una de las mejores que se han visto en la historia. Pero ‘The hurt locker’ va como favorita y este será otro premio que tendrá.

Mi apuesta: THE HURT LOCKER, BARRY ACKROY

Quiero y tengo la esperanza que gane: THE WHITE RIBBON, CHRISTIAN BERGER o HARRY POTTER AND THE HALF-BLOOD PRINCE, BRUNO DELBONNEL

Best Achievement in Editing

• Avatar: Stephen E. Rivkin, John Refoua, James Cameron

• District 9: Julian Clarke

• The Hurt Locker: Bob Murawski, Chris Innis

• Inglourious Basterds: Sally Menke

• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Joe Klotz

La edición es una categoría a la que la mayoría no pone atención, pero además de ser importante a nivel técnico, puede dar muchas pistas a la hora de revisar la categoría. Casi siempre las nominadas a edición son las mismas nominadas a mejor película y a mejor dirección y, generalmente, el que se lleva el premio al mejor montaje resulta la mejor película. THE HURT LOCKER va como favorita, así que este será otro de los premios con los que se irá a casa. A SALLY MENKE por INGLORIOUS BASTERDS se la deben, puede ser una sorpresa.

Mi apuesta: THE HURT LOCKER, BOB MURAWSKI & CHRIS INNIS

Quiero y tengo la esperanza de que gane: SALLY MENKE, INGLORIOUS BASTERDS

Best Achievement in Art Direction

• Avatar: Rick Carter, Robert Stromberg, Kim Sinclair

• The Imaginarium of Doctor Parnassus: David Warren, Anastasia Masaro, Caroline Smith

• Nine: John Myhre, Gordon Sim

• Sherlock Holmes: Sarah Greenwood, Katie Spencer

• The Young Victoria: Patrice Vermette, Maggie Gray

Aunque ‘The hurt locker’ va como favorite, hay categorías en las que no está nominada, por ejemplo en los rubros de diseño. Aquí el premio irá para AVATAR, la única que podría dar la sorpresa es NINE, pero ellos ya tienen un Oscar por Chicago y la película no tiene las nominaciones que esperaban.

Mi apuesta: AVATAR, RICK CARTER, ROBERT STROMBERG & KIM SINCLAIR

Quiero y tengo la esperanza de que gane: THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS, DAVID WARREN, ANASTASIA MASARO & CAROLINE SMITH

Best Achievement in Costume Design

• Bright Star: Janet Patterson

• Coco avant Chanel: Catherine Leterrier

• The Imaginarium of Doctor Parnassus: Monique Prudhomme

• Nine: Colleen Atwood

• The Young Victoria: Sandy Powell

Aquí las favoritas vendrían siendo COLLEEN ATWOOD por NINE y SANDY POWELL por THE YOUNG VICTORIA, si alguna ganase para ambas este sería su tercer Oscar. Sin embargo yo le apostaré a JANET PATTERSON por BRIGHT STAR ya que se lo deben desde hace años, con esta ella junta su cuarta nominación sin un solo premio. Para las otras dos diseñadoras la veo difícil, son novatas en esto del premio de la academia, además de extranjeras.

Mi apuesta: BRIGHT STAR, JANET PATTERSON

Quiero y tengo las esperanzad de que gane: BRIGHT STAR, JANET PATTERSON

Best Achievement in Makeup

• Il divo: Aldo Signoretti, Vittorio Sodano

• Star Trek: Barney Burman, Mindy Hall, Joel Harlow

• The Young Victoria: John Henry Gordon, Jenny Shircore

Pareciera que STAR TREK tiene el mejor maquillaje de las 3, pero es la primera nominación para los artistas; sin embargo ALDO SIGNORETTI suma su tercera nominación, así que es justo y necesario un premio de la academia.

Mi apuesta: IL DIVO, ALDO SIGNORETTI, VITTORIO SODANO

Quiero y tengo la esperanza que gane: STAR TREK, BAREY BURMAN, MINDY HALL & JOE HARLOW

Best Achievement in Music Written for Motion Pictures, Original Score

• Avatar: James Horner

• Fantastic Mr. Fox: Alexandre Desplat

• The Hurt Locker: Marco Beltrami, Buck Sanders

• Sherlock Holmes: Hans Zimmer

• Up: Michael Giacchino

La categoría de música original de este año tuvo muchas restricciones, muchas de las partituras favoritas en otras ternas quedaron fuera del Oscar, para dar lugar a compositores con trabajos mediocre como JAMES HORNER, o sin valor aparente como MARCO BELTRAMI y HANS ZIMMER. Quedando como favorita la música de UP de MICHAEL GIACCHINO.

Mi apuesta: UP, MICHAEL GIACCHINO

Quiero y tengo la esperanza que gane: UP, MICHAEL GIACCHINO

Best Achievement in Music Written for Motion Pictures, Original Song

• Crazy Heart: T-Bone Burnett, Ryan Bingham ("The Weary Kind")

• Faubourg 36: Reinhardt Wagner, Frank Thomas ("Loin de Paname")

• Nine: Maury Yeston ("Take It All")

• The Princess and the Frog: Randy Newman ("Almost There")

• The Princess and the Frog: Randy Newman ("Down in New Orleans")

RANDY NEWMAN consigue dos nominaciones, pero como los votos se dividirán esta vez no le irá tan bien al Sr. Newman. “TAKE IT ALL” de NINE parece la favorita pero no hay precedentes en los últimos años de que las canciones en los musicales hayan ganado. Ni Chicago, ni Moulin Rouge o Soñadoras tuvieron suerte, dudo que NINE la tenga. “LOIN DE PANAME” es una gran canción pero extranjera y en una película casi desconocida; quedando como posible ganador T-BOURNETT con RYAN BINGHMAN por la canción de CRAZY HEART.

Mi apuesta: “THE WEARY KIND” DE CRAZY HEART

Quiero y tengo esperanza que gane: “TAKE IT ALL” DE NINE

Best Achievement in Sound Mixing

• Avatar: Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson, Tony Johnson

• The Hurt Locker: Paul N.J. Ottosson, Ray Beckett

• Inglourious Basterds: Michael Minkler, Tony Lamberti, Mark Ulano

• Star Trek: Anna Behlmer, Andy Nelson, Peter J. Devlin

• Transformers: Revenge of the Fallen: Greg P. Russell, Gary Summers, Geoffrey Patterson

13° nominación para GREG P. RUSSELL esta vez por Transformers, una de las personas más ignoradas por la academia parece que un año más se irá a casa con las manos vacías pues el gran favorito de esta categoría es AVATAR aunque ya sea el quinto premio para CHRISTOPHER BOYES, por ejemplo.

Mi apuesta: AVATAR

Quiero y tengo la esperanza que gane: INGLORIOUS BASTERDS

Best Achievement in Sound Editing

• Avatar: Christopher Boyes, Gwendolyn Yates Whittle

• The Hurt Locker: Paul N.J. Ottosson

• Inglourious Basterds: Wylie Stateman

• Star Trek: Mark P. Stoeckinger, Alan Rankin

• Up: Michael Silvers, Tom Myers

Una vez más AVATAR, aunque en la categoría de edición de sonido THE HURT LOCKER y UP podrían dar la sorpresa.

Mi apuesta: AVATAR

Quiero y espero que gane: INGLORIOUS BASTERDS

Best Achievement in Visual Effects

• Avatar: Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham, Andy Jones

• District 9: Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros, Matt Aitken

• Star Trek: Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh, Burt Dalton

AVATAR… y no hay mucho más que decir

Mi apuesta: AVATAR

Quiero y espero que gane: DISTRICT 9

Best Animated Feature Film of the Year

• Coraline: Henry Selick

• Fantastic Mr. Fox: Wes Anderson

• The Princess and the Frog: John Musker, Ron Clements

• The Secret of Kells: Tomm Moore

• Up: Pete Docter

Muy a pesar que cuatro de las cinco películas nominadas en la categoría sean obras maestras de la animación (a excepción de ‘THE PRINCESS AND HE FROG’), es una categoría muy segura. UP es la gran favorita y nuevamente Pixar se llevará un Oscar por una buena película, pero no la mejor de las cinco.

Mi apuesta: UP

Quiero y espero que gane: CORALINE

Best Foreign Language Film of the Year

• Ajami (Israel)

• Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte (Germany)

• El secreto de sus ojos (Argentina)

• Un prophète (France)

• La teta asustada (Peru)

Dos películas latinoamericanas nominadas en esta categoría es algo que me pone muy contento. A pesar de que ‘La nana’ de Chile quedó fuera hay dos grandes filmes representando al territorio latino, aunque no pasen de la nominación. La gran favorita es obviamente THE WHITE RIBBON de ALEMANIA, es hora de reconocer a MICHAEL HANEKE. Esta categoría siempre da muchas sorpresas, así que también podría ser que ganase UN PROPHETE, y si no básicamente cualquiera podría llevarse el premio. La categoría de cinta extranjera siempre es la que más sorpresas y decepciones ha dado (Lo que ha afectado enormemente a México, ya van dos veces que va como favorita por el ‘Crimen del Padre Amaro’ y’ El laberinto del Fauno’, en ambas ocasiones ha perdido frente a Alemania).

Best Documentary, Features

• Burma VJ: Reporter i et lukket land: Anders Østergaard, Lise Lense-Møller

• The Cove: Louie Psihoyos, Fisher Stevens

• Food, Inc.: Robert Kenner, Elise Pearlstein

• The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers: Judith Ehrlich, Rick Goldsmith

• Which Way Home: Rebecca Cammisa

El premio de documental de este año lo conforman títulos interesantes, objetivamente THE MOST DANGEROUS MAN IN AMERICA debería de ganar, pero el tema que maneja es demasiado político para el ambiente de esta entrega, aunque es quien podría dar la sorpresa. El que más posibilidades es THE COVE, ya que es el más comentado y el más visto. BURMA VJ es un trabajo muy premiado, pero europeo. Mientras que WICH WAY HOME trata sobre la migración siendo un documental muy interesante pero muy poco visto y premiado.

Mi apuesta: THE COVE

Quiero y tengo esperanza que gane: WICH WAY HOME

Best Documentary, Short Subjects

• China's Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province: Jon Alpert, Matthew O'Neill

• The Last Campaign of Governor Booth Gardner: Daniel Junge, Henry Ansbacher

• The Last Truck: Closing of a GM Plant: Steven Bognar, Julia Reichert

• Rabbit a la Berlin, Anna Wydra

• Music by Prudence: Roger Ross Williams, Elinor Burkett

THE LAST CHAMPAIGN y THE LAST TRUCK tienen, quizás las mayores posibilidades de ganar, sin embargo sus temas son algo polémicos y probablemente a los votos se dividan, dejando como posible ganadora a RABBIT A LA BERLIN pues es la más premiada y la más vista de las cinco nominadas. Habla de un tema interesante y de forma digerible.

Mi apuesta: RABBIT A LA BERLIN

Quiero y tengo la esperanza que gane: RABBIT A LA BERLIN

Best Short Film, Animated

• French Roast: Fabrice Joubert

• Granny O'Grimm's Sleeping Beauty: Nicky Phelan, Darragh O'Connell

• La dama y la muerte: Javier Recio Gracia

• Logorama: Nicolas Schmerkin

• Wallace and Gromit in 'A Matter of Loaf and Death': Nick Park

A diferencia de la categoría de largometraje de animación aquí si premian a la originalidad estética de la animación presentada. WALLACE & GROMIT va como favorita pues es la más premiada de las cinco, detrás de ella creo que la sorpresa la podría dar la producción española LA DAMA Y LA MUERTE un corto de animación impecable y con una historia muy linda.

Mi apuesta: WALLACE & GROMIT

Quiero y tengo la esperanza que gane: LA DAMA Y LA MUERTE

Best Short Film, Live Action

• The Door: Juanita Wilson, James Flynn

• Istället för abrakadabra: Patrik Eklund, Mathias Fjällström

• Kavi: Gregg Helvey

• Miracle Fish: Luke Doolan, Drew Bailey

• The New Tenants: Joachim Back, Tivi Magnusson

El corto australiano MIRACLE FISH se posiciona como favorito para ganar el premio, detrás de él la producción hindú KAVI podría dar la sorpresa por contar con una historia emocional de esas que le gustan a la academia.

Mi apuesta: MIRACLE FISH

Quiero y tengo la esperanza que gane: THE NEW TENANTS

Nine (2009) dir. Rob Marshall

2010-03-02T10:04:00.000-08:00

Han pasado ya cuarenta y siete años desde el estreno de la obra clásica de Federico Fellini 8 1/2; y han pasado ocho años desde el estreno de la ópera prima de Rob Marshall, Chicago. Después del revuelo mediático que ha tenido 'Nine' los números no tienen ninguna importancia (a pesar del título).No en cualquier cinta podemos ver a tantas estrellas internacionales juntas en el reparto. Dadas estas circunstancias me siento obligado a aclarar que esta cinta muy poco tiene que ver con la de Fellini, ya que no está basada en ella, si no que lo está en el musical de Brodway del mismo título, así que las comparaciones con 8 1/2 resultan inútiles, más que una adaptación yo diría que es un homenaje.

La nueva película de Rob Marshall llega presentada en empaque de lujo: protagonizada por actores y actrices de renombre en la industria, no solo hollywoodense, tales como Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Sophia Loren, entre otras. Si a esto le sumamos música y baile lo que nos resulta es una película irresistible.De alguna manera si es una película atractiva, pero todos sabemos que no es suficiente el que una cinta "se vea bien".

Como ya lo había hecho en Chicago, Rob Marshall crea dos planos: uno de realidad y otro de ficción y música contando la historia de Guido Contini, un director de cine mujeriego que sufre de una crisis creativa al comienzo de su nueva película. Buscando inspiración se topa con el grupo de mujeres que han pasado por su vida: desde su esposa (Marion Cotillard), amante (Penélope Cruz), su vestuarista (Judi Dench), una prostituta que conoció en la niñez (Fergie), su musa filmica (Nicole Kidman), una reportera norteamericana (Kate Hudson) y su propia madre (Sophia Loren).

Hermosamente fotografiada y con un diseño de producción perfecto, los números musicales pasan uno a uno emocionando y deleitando la pupila, sin embargo la narración nunca avanza y es que el teatro es muy diferente al cine. Son demasiadas estrellas para una historia con tan poca sustancia, Nicole Kidman y Sophia Loren son desaprovechadas en papeles insípidos. Kate Hudson y Fergie nos regalan unos números musicales muy buenos, pero al igual que Kidman, sus papeles no tienen mayor relevancia. Judi Dench hace una interpretación correcta, como la vestuarista y confidente de Contini. Así que los únicos papeles realmente justificados y bien interpretados son los de Penélope Cruz como la amante del director, en un papel coqueto y travieso; y Marion Cotillard como la fiel esposa. Por último Daniel Day-Lewis no hace un gran trabajo, su interpretación de Guido Contini oscila entre lo acartonado y mediocre.

Una cinta simplemente entretenida que no reactivará el género, he de condear a Rob Marshall por pretencioso pues su elenco no está a la altura de su dirección. Lastima pues el guión es firmado por el propio Anthony Minghella.

Calificación: R

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire (2009) dir. Lee Daniels

2010-02-19T14:04:00.000-08:00

Desde hace casi una década la industria Hollywoodense ha ido en una caída creativa impresionante, el público se ha hecho autocomplaciente asistiendo a las salas para ver la misma historia una y otra ve. Afortunadamente el cine independiente norteamericano es el que ha salvado a Estados Unidos de caer en una crisis de mal cine. Títulos como "Perdidos en Tokyo", "Eterno resplandor...", "Little miss sunshine" o "Juno" se han ganado el gusto de la crítica y el público siendo producciones pequeñas pero con gran sustancia. Este año, la ración anual de cine independiente parece venir con esta historia llamada Precious.

La película no tarda en plantearnos una historia desgarradora: Precious es una chica de 17 años, negra, obesa y analfabeta. Embarazada por segunda ocasión a causa de la violación de su propio padre, además de sufrir el abuso físico y psicológico de su madre, una mujer que no hace otra cosa en la vida que comer y ver televivión. A causa de este segundo embazaro, Precious es enviada a una escuela especial en donde conoce a la profesora Rain. Será el cambio de escuela la razón que Precious necesitará para salir adelante de la desafortunada vida que tiene.

La sinopsis pareciera demasiado mórbida para poderse digerir, sin embargo no lo es. A pesar de la horrible vida que tiene Precious esta se plantea desde el primer momento para, al primer tercio de la película, ir mejorando. La protagonista conoce a distintas personas que cambian su manera de ver el mundo y así poder salir adelante. No es una historia tan oscura como aparenta, más bien es una acerca de superación y esperanza. Plagada de melodramatismos, y elementos que, descaradamente, estan construidos para lograr una emoción en la audiencia, lo que la hace pretenciosa.

El director no pone el dedo en la herida, por eso la película no cuaja del todo. Los cortes de los sueños y las aspiraciones de Precious no hacen otra cosa que bajar el ritmo y, francamente, son de muy mal gusto. Pareciera que Daniels no se toma el tema tan serio como nos plantea el argumento. Lo mejor de la cinta son, definitivamente, las actuaciones. Mariah Carey como la trabajadora social y Paula Patton como la profesora son personajes que dan muy buen soporte a la protagonista, la debutante Gabourey Sidibe, quien nos regala un papel real y entrañable. La más destacable del reparto es Mo'Nique, ella crea un personaje asqueroso, como una madre egoísta, hipócrita y sádica, que no tiene ninguna compasión por su hija.

Al final es como echarse un capítulo de "Mujer... casos de la vida real", melodramática y, por momentos dura. Pero como la mayoría del cine norteamericano, lleva pegado un mensaje de esperanza para que uno en casa pueda decir "mi vida no es tan mala".

Calificación: R

The hurt locker (2008) dir. Kathryn Bigelow

2010-02-18T01:57:00.000-08:00

Las películas de corte bélico no son nuevas, siendo la guerra una de las caracterísicas (lamentablemente) básicas de la humanidad, la guerra contiene un sin fin de imágenes y emociones para que los directores nos cuenten historias desgarradoras y trágicas en medio de fuertes escenas de acción y batallas espectaculares.

Existe también, en este mismo corte, un cine bélico que no necesariamente utiliza el impacto visual de la guerra para narrar historias, si no que trata de encontrar el hilo negro de esta, revisando los distintos puntos de vista de las piezas, así como de las personas que pelean en ella. En esta ocasión les contaré de una de 'esas' películas.

Ambientada en la guerra de Irak, 'Zona de miedo' nos narra la historia de una brigara norteamericana que se encarga de la desactivación de bombas. Después de la muerte del último especialista, llega el Sargento William James (Jeremy Renner), un tipo eficaz pero rebelde que parece no tenerle miedo a la muerte. Se acompaña a la brigada, a lo largo de los días hasta que llegue el día de su reemplazo.

Conforme pasan el tiempo se va conociendo un poco más a los soldados, las diferencias entre el Sargento James y el Sargento Sanborn, quien posee una personalidad más convencional, no tardan en aparecer. Las vidas que dejaron atrás, la motivación para realizar su trabajo, así como la cercanía con la muerte son los temas que la directora aborda a profundidad a lo largo del filme.

Utilizando una cámara inquieta y una fotografía naturalista, dota a la película de gran realismo. La música y la edición transportan al espectador a la acción creando una impresionante tensión a lo largo de cada una de las secuencias, llevándonos, inevitablemente, al mismo juego que a los soldados. Se observa un gran trabajo de interpretación, sobre todo en el actor Jeremy Renner, quien dota de un carácter real al Sargento James, el mismo personaje engloba el sentido del metraje y de la guerra en sí, la cual es una droga que debe ser suministrada tanto como sea posible.

El resultado es una buena película, con un gran trabajo de dirección por parte de la ex-esposa de James Cameron. Sorprende, especialmente, la versatilidad de esta para tocar un tema que podría ser "masculino" logrando un estílo único al no rebasar esa delgada línea entre la rudeza y la delicadeza de las emociones humanas. Pero más allá de la tensión creada, los momentos dramáticos y la reflexión acerca de la guerra, la película resulta irregular. No estamos ante una obra maestra, el tema lo había tocado de manera muy parecida Sam Mendes en "Jarhead", además de que el argumento es algo simple.

Calificación: B

Mary & Max (2009) dir. Adam Elliot

2010-02-16T01:27:00.000-08:00

Este año estuvo lleno de cintas animadas originales y de calidad, algo que nunca había pasado, algunas como Coraline, Fantastic Mr. Fox, Waltz with Bashir y Up desfilaron en la cartelera a lo largo de estos meses; innovando, entreteniendo y emocionando. Entonces ¿por qué "Mary & Max" es la película de la que menos se ha hablado en esta época de premiaciones? Esa era mi pregunta desde hace tiempo, incluso previo a ver la ópera prima del ganador del Oscar Adam Elliot (por su cortometraje "Harvey Krumpet"). Lo que a mi me tenía intrigado es la causa de que esta película no haya tiene el reconocimiento de las mencionadas anteriormente y de tanto darle vueltas al asunto creo que encontré la respuesta y es que "Mary & Max" sea, quizás, la más inquietante, mórbida y difícil de digerir de todas.

Esta nos cuenta la historia de Mary, una introvertida y curiosa niña de 8 años que vive en Melbourne, a causa de no tener amigos, decide tener uno por correspondencia. Su carta llega hasta Nueva York y su amigo por correspondencia es Max, un hombre obeso y autista de 44 años. En sus cartas Mary & Max nos cuentan su historia, sus traumas, inquietudes y más profundos sentimientos; con la ayuda de un narrador que hace mención de los puntos clave en la vida de ambos.

Es así como el director junta a dos personas que, a simple vista, podrían parecer diferentes, pero que en el fondo son dos almas que comparten una sola cosa: la soledad. En sus cartas ambos hablan acerca de los traumas de la niñes, el suicidio, la religión y la depresión y lo hacen de una manera ácida y, hasta cierto punto, desinteresada. Con citas que obligan al espectador a entrar en una profunda reflexión acerca de la propia naturaleza de las relaciones con la familia, con los amigos, y la pareja. Sus cartas pueden ser, al mismo tiempo una tierna caricia o un acogedor abrazo, que una fría y dura bofetada. Desolador relato acerca de la sociedad actual vista desde el punto de vista de dos excétricas personas que han sido olvidadas por la misma.

Una estética sumamente cuidada: la fotografía en escala de grises y sepia para los ambientes neoyorquino y australiano, respectivamente. Acompañados de personajes muy expresivos que pueden rayar en lo grotesco le dan un toque de originalidad que nunca podrá igualar la animación 3D. La película no es para todo público ya que podría incómodar a gran parte de la audiencia, sin embargo es envidiable la nobleza y valor del realizador de mostrar temas controversiales y duros tocados de una forma divertida y tierna. Aunque, al final, esta no es una cinta de animación con un final complaciente o esperanzador ya que, al igual que la vida misma, es cruel y desesperanzadora.

Calificación: E!

When in Rome (2010) dir. Mark Steven Johnson

2010-02-07T03:39:00.000-08:00

No tendría caso recordar las razones por las cuales me metí al cine a ver esta película ya que el daño está hecho. Podría decir que quise bajar al mundo de los mortales y "divertirme" con una comedia romántica normal o tal vez quería ver algo "sencillo" después de tanto cine existencialista y alternativo. La cuestión al final es que las crepas con filadelfia y fresa estuvieron muy dulces.

Como "al mal paso darle prisa" iré directamente al grano. "La fuente del amor" narra la historia de una neoyorkina fascinada con su trabajo como restauradora de arte en la gran manzana llamada Beth. Después de "uno de esos días", Beth queda completamente desilusionada del amor, decidida a ser la mejor en lo único que disfruta, que es su trabajo. En un viaje a Roma, para la boda de su hermana, recoge algunas monedas de una fuente "mágica" lo cual provoca que los dueños de dichas monedas se enamoren perdidamente de ella. El grupo de hombres hechizados se compone de un magnate maduro, un mago, un pintor en busca de inspiración, un odioso y narcisista modelo y un ex jugador de fútbol llamado Nick, quien será de quien ella se enamore, pero, al final tendrá que lidiar con el hecho de si ese amor es verdadero.

De verdad que no puedo recordar desde cuando no había visto una comedia tan vacía, con un guión completamente incoherente y predecible. Los personajes principales, a pesar de ser acartonados pues llegan a conmover y emocionar un poco, tomando en cuenta que mucho ayuda que ambos sean atractivos. Sin embargo los personajes secundarios son un circo de payasos insufribles sin ninguna razón de existir. Danny Devito está de pena ajena, mientras que Angelica Huston trata de hacer una especie de Miranda Priestly pero región 4. La historia es completamente sosa y el final se puede vislumbrar a los 15 minutos, todo lo demás se rellena con un humor tan simple, estereotipado y vacío que no me explico como es que puede hacer reír a alguien.

Al final creo que meterme al cine a ver esta película me recordó el por que dejé de tener esa costumbre en primer lugar. Y es que definitivamente cuando solo te alimentas de alta cocina, los restaurantes de comida rápida resultan una asquerosidad.

Calificación: AS

La teta asustada (2009) dir. Claudia Llosa

2010-02-04T00:55:00.000-08:00

Ganadora del oso de oro en el festival de Berlín y recientemente nominada al oscar como mejor película extranjera el segundo largometraje de la directora Claudia Llosa se ha convertido en un producto que ha llamado mucho la atención y se ha convertido en referencia del cine latinoamericano.

La teta asustada narra la historia de Fausta, quien vive con su madre en un barrio marginado y pobre en las afueras de Lima. Cuando su madre muere esta desea llevarla al pueblo a darle una sepultura digna, sin embargo es portadora del mal de "la teta asustada", un padecimiento que su madre le transmitió por la leche que hizo que Fausta naciera sin alma. Su madre, una víctima de la violación por parte de los soldados y guerrilleros en los años 80's nos narra, cantando, su terrible experiencia al inicio del metraje. Fausta, entonces decide ir a trabajar de sirvienta para poder juntar el dinero y llevar a su madre al pueblo, enfrentar la vida real aún con la fobia a causa del trauma que su madre le transmitió, lo cuál la hace tener una ira contenida a los hombres (todos violadores en potencia) que ella soluciona colocando una papa en su vagina a manera de "escudo".

De esta manera una historia que podría caer facilmente en el morbo es transformada por la directora en una revelación poética de canto a la libertad. Con una narración en todo momento contenida que llega a rosar con lo frío, el personaje de Fausta se nos presenta como un personaje hermético y melancólico, todo el tiempo a la defensiva, especialmente al lado de cualquier varón (excepto, quizás, su tío y primo), tal cual lo haría una mujer violada. Sin embargo el miedo de Fausta es imaginario, representado en una papa que echa raíces en su interior mientras ella palidece de un dolor físico y existencial que no la deja vivir en armonía.

Será entonces su extrema sensibilidad musical e ingenuidad la que la lleven por el camino de liberarse de todos esos demonios, con la ayuda del jardinero indígena que trabaja en la misma casa y la patrona pianista cautivada por su voz. Rodeado de festividades y tradiciones pueblerinas, así como de personajes carentes de emociones, es envidiable el esmero en la dirección para representar de manera seca pero a la vez emotiva la manera en la que la violencia afecta psicológicamente a las personas.

La teta asustada es la muerta de un cine alternativo, despojado de cualquier cosa que pudiera darle aires de grandilocuencia, pues ni su narrativa ni su estética pretenden ser amigables. Por el contrario un metraje difícil de digerir lleno de simbolismos que se esconden solo para quienes tengan la sensibilidad suficiente de dejarse atrapar por la narración. Usando planos largos y abiertos, una estética minimalista con diálogos escasos en español y quechua, así como una extraordinaria interpretación por parte de Magaly Solier (Fausta) y una música y fotografía bien cuidados hacen de esta cinta una obra de arte en todos los sentidos.

Calificación: E!

Låt den rätte komma in (2008) dir. Tomas Alfredson

2010-01-15T01:47:00.000-08:00

A lo largo de los últimos años se ha dicho e diversas ocasiones que nos encontramos en el "nuevo romanticismo", ya que muchos artistas (plásticos, cineastas, escritores, etc.) han volteado al tema de los vampiros para contar sus historias; sin embargo eso se dice gracias a la más exitosa saga de libros de Stephanie Meyer, "Crepúsculo". Tanto como el libro y la adaptación cinematográfica utilizan recursos gastados, estereotipos y mala ejecución de los recursos narrativos solo para conseguir dinero. En este sentido es tan refrescante encontrar una obra que utilice el tema del vampiro no solo de manera correcta, si no de una forma poética, inquietante, perturbadora y sumamente inspiradora.

"Déjame entrar" es una cinta que llega desde Suecia, nada más alejado a los clichés y las maneras de producción hollywoodense que tanto han deteriorado el cine. Nos cuenta la historia de un niño retraido llamado Oskar, él tiene problemas de adaptación en la escuela, es callado y misterioso, blanco de burlas y maltrado por parte de sus compañeros. El pequeño vive en su propio mundo cuando conoce a una extraña niña llama Eli, con quien casi de inmediato entabla una relación muy cercana. Sin embargo Eli tiene un escalofriante secreto y es que ella es un vampiro.

El director Tomas Alfredson nos entrega una obra maestra en todos los sentidos, filma una de las historias más bellas y terroríficas que se hayan visto jamás. Impresionante la forma en la que nos adentra en la relación de los dos niños, los momentos efímeros y poéticos de cariño, comprensión y ternura contrastan con el terror de la naturaleza de Eli. Nos regala secuencias de antología y, nos muestra como un lenguaje sencillo es mucho mejor que una cámara inquieta, los planos lentos y estáticos le dan un estílo único a la cinta, así como una fotografía bien cuidada, usando los colores fríos como el azul y el blanco contrastando con las tonalidades rojas.

Los dos niños actores estan de lo mejor, Eli es una niña misteriosa quien no trata de esconder el mounstuo que lleva por naturaleza, pero resulta una niña tan encantadora que se roba el corazón de todos; Oskar es un niño adorable y frágil al principio aunque esconde un mounstruo lleno de rencor, el amor que hay entre ambos se muestra de forma simple y adorable, un amor verdadero sin cursilerias ni melodramas. Definitivamente una película que no deben perderse, aunque se que a muchos no les gustará o les parecerá extraña, pero eso solo va a probar lo mucho que estan enseñados a la manera de contar historias de hollywood, ya que creo que esta cinta se volverá de culto en años posteriores.

Calificación: E!

Avatar (2009) dir. James Cameron

2010-01-11T10:52:00.000-08:00

Luego de casi 13 años de que el autonombrado "rey del mundo" estrenara Titanic, consagrada como la película más exitosa en la historia del cine, regresa con un nuevo proyecto tras un par de documentales hechos para cine y televisión. Avatar llega a las pantallas del mundo con toda una racha de comentarios acerca del proceso de creación de la película. Cameron esperó más de una década a que la tecnología avanzara lo suficiente para poder dar vida a este mundo de ciencia ficción. Además de los rumores del costo de la cinta que, dicen por ahí, costó al rededor de $500 millones de dólares y la expectativa de expertos y público en general que esperaban una proeza visual inimaginable.

A pesar de los detractores debo decir que Cameron cumplió su cometido y es que Avatar si es un espectáculo visual fuera de serie, la perfección lograda hacen de cada cuadro una experiencia fabulosa que, definitivamente, debe disfrutarse en 3D. Una irresistible delicia para los amantes del género, original en el sentido visual y creador de uno de los mudos más fascinantes presentados en cine.

La película nos cuenta la historia de un ex marino llamado Jake confinado a su silla de ruedas, siendo hermano de un científico cuya misión era adentrarse en el planeta Na'vi para convivir con sus habitantes, tras la muerte de este hermano es oportunidad para Jake de continuar con la misión. Usando un Avatar hecho con ADN humano combinado con el de los nativos Jake es capaz de entrar en un cuerpo diferente y, a pesar de la desconfianza y hostilidad de los científicos, consigue, con la ayuda de la princesa Neytiri, que los nativos lo hagan uno de los suyos. Logrando su misión para tener una salida diplomática, ya que los humanos están ahí para sacar un poderoso mineral de las tierras pertenecientes a los nativos.

Ahora hay que recordar que James Cameron es un director de ciencia ficción enteramente fiel a las grandes y ostentosas producciones que no necesariamente necesitan de un argumento verdaderamente brillante para salir adelante. Detrás de todo este festín de efectos visuales y sonoros no se esconde una gran historia. El espectador se acostumbra, aproximadamente a media cinta a dejar que el planeta Na'vi deje de sorprender, y es ahí cuando se necesita de una narrativa que sorprenda, sin embargo el director no utiliza una narrativa ágil para continuar con el ritmo, por el contrario, sigue utilizando trampas narrativas para, nuevamente pasar al festín visual aunque la trama se convierta en algo sumamente predecible y poco innovador.

Más allá del mensaje ecológico y de la "conexión" con la naturaleza Avatar no consigue en ningún momento un argumento excepcional, la trama sigue una línea ya trazada por historias pasadas y la mayoría de los personajes resultan planos al final de la película. Tecnicamente es una película que nadie se va a perder, sin embargo si hay que enumerar ciertos errores como la música que no está a la altura de las demás cuestiones técnicas. Una cinta de la mejor calidad, entretenida y espectacular.

Calificación: B

Hotaru no haka (1998) dir. Isao Takahata

2010-01-06T02:11:00.000-08:00

Volviendo de nuevo a postear en mi blog me gustaría hacer la crítica (más bien, una reseña) de esta película que me recomendaron desde hace un buen rato pero que no había tenido la suerte de encontrarla, hasta hace unas semanas, "La tumba de las luciérnagas".

Es bien sabido, sobre todo después de Pixar, que la animación ya no es un recurso para hacer historias infantiles si no que puede ser tan (o más) efectivo que las películas en live action. Y es que esta película no cuenta precisamente una historia sencilla, si no que nos cuenta la trágica vida de los hermanos Seita y Setsuko, quienes, a causa de la Segunda Guerra Mundial, quedan huérfanos luego de un bombardeo de tropas norteamericanas. Seita es un muchacho de no más de 15 años quien queda a cargo de su pequeña hermana, primero ayudados por la caridad de una de sus tías, sin embargo gracias a la escaces tendrán que sobrevivir por su propia cuenta.

A pesar de ser animación, el director Isao Takahana usa la sencillez en cada uno de los fotogramas y deja que sea la propia historia la que lleve al espectador al llanto inevitable, nunca se utiliza el melodrama exagerado y, aunque por momentos pareciera que se engolosina con la tragedia de los huérfanos, nos regala momentos de extrema ternura. Se siente el dolor de los personajes, quienes gracias a su corta edad tienen la capacidad de gozar pequeños momentos efímeros de felicidad, no así el espectador, quien ve como la vida de los personajes se torna cada vez más difícil hasta orillarlos a un destino fatal.

"La tumba de las luciérnagas puede ser una de esas películas que se recomienda como "la más triste que he visto" ya que lleva al espectador a una crudeza que puede llegar a ser insoportable por momentos, pero es admirable la franquesa del realizador de no voltear hacia otro lado, si no de poner en tela de juicio esta historia acerca del robo de la niñez, de la crueldad, el desiterés y el egoísmo de la humanidad gracias a la guerra. El director no se enseña con el espectador para llevarlo al llanto si no que deja que la historia llene un vaso de emoción gota a gota, que al final se derrama en llanto y tristeza autenticas de una narración bien llevaba y no manipulada.

Pudiese recomendar esta película solo a personas con fuerte estómago o a personas que les guste el cine de reflexión, pero no lo haré. Definitivamente recomiendo esta película a todas las personas, por que el cine no debe de ser un escape de la realidad, si no, como ya lo decía Hegel en su estética "un buen retrato se parece más a la persona que la persona en sí".

CALIFICACIÓN: E!

The Twilight Saga: New Moon (2009) dir. Chris Weitz

2009-11-20T02:28:00.000-08:00

Yo había prometido que ninguna fuerza, por potente que esta fuese me haría ver esta película, suficiente había tenido con la primera y con leer un capítulo de la novela, no me iba a someter otra vez. Sin embargo, gracias a una bola de casualidades terminé en la sala de cine con montones de quinceañeras moja bragas gritando emocionadas al nuevo fenómeno adolescente.

No pienso ponerme a enumerar o a comparar la cinta con la novela, ya que es una actividad inútil, primero por que no leí la segunda novela (¿Cómo para qué hacerlo?) y segundo por que lo que aquí me tiene escribiendo es su adaptación cinematográfica. La trama es medio simple, Bella Swan está cada vez más enamorada de Edward Cullen, sin embargo este teme por su seguridad al estar tan cerca de tantos vampiros, por esta razón decide alejarse, mientras la incauta pasa por una terrible depresión, su mejor amigo Jacob se enamora de ella, y es entonces cuando se hace el triángulo amoroso en medio de nuevas revelaciones y, el acercamiento a las 'autoridades' en el mundo de los vampiros.

La primera adaptación cinematográfica fué bastante mediocre, estabamos ante un filme mal realizado pero que sentó las bases de lo que ahora se mejoró. El director Chris Weitz es un realizador más diestro y le da elementos enriquecedores a la película, tales como una mejor fotografía, diseño de producción y efectos visuales, así como una narrativa más ágil, contrastando con lo aburrido y tedioso de la trama en la novela. El drama y la emoción no caen de manera drástica, llevando un ritmo relativamente constante.

Pero un director tampoco puede hacer maravillas ante un texto tan insípido y meloso. Kristin Steward es una buena actriz que sabe cargar con el peso el personaje haciendolo creíble, aún cuando todo lo que hace es sufrir y deprimirse, le imprime emoción y drama a su interpretación, al igual que Taylor Lautner, quien interpreta de manera correcta a Jacob, como el tercero en discordia. El problema es con Robert Pattinson, un actor tan gris y con poco registro actoral que, Edward Cullen, no tiene más méritos que ser guapo, la mejor interpretación de un hígado al natural del año para Cedric Diggory.

Las "novedosas aportaciones" de la autora siguen sin tener sentido, empezando por los hombres lobo, quienes se tranforman debido a que los hacen enojar (¿Qué así no se tranforma Hulk? Yo recuerdo que se tranformaban con la luna llena); el consejo de vampiros o los Volturi quienes residen en Italia (¡Que original!) donde, además, se pueden encontrar Lamborghinis a la vuelta de la esquina; entre muchas otras sorpresas que, francamente resultan de pena ajena. La cinta, sin embargo, resulta entretenida y de buena calidad comparada con la primera entrega, sin embargo esto no le quita el hecho de que siga siendo una muy mala película.

Dato: A pesar de todo el soundtrack resulta extremadamente bueno, muy recomendable conseguirlo.

Dato 2: Para los fans de Dakota Faning, ni se emocionen, aperece como 2 minutos.

Calificación:M

Entre les murs (2008) dir. Laurent Cantet

2009-11-19T01:15:00.000-08:00

Solo una función a las 17:45 hrs en Plaza Galerias, posters de 'New moon' por todos lados, gente entrando a ver '2012' y yo, solo, entro a ver esta película ganadora de la Palma de oro en el Festival de Cannes del 2008 y, nominada al Oscar en la categoria de película extranjera. Acompañado solo por 8 personas más en la sala, sabía un poco lo que me esperaba: una gran película que no se puede compartir con la gente "común", para mi, nada más genial.

La nueva cinta del director Laurent Cantet es más de lo que se muestra a simple vista, cuenta la historia de un profesor de francés en una secundaria pública en París, tanto él como los demás docentes comienzan el curso con ánimos y ganas de sacar adelante a los alumnos, pero gracias a la multiculturalidad y aversión de los alumnos poco a poco se va perdiendo la fé.

Tal como lo hiciera con su anterior trabajo, 'Tiempo de mentir (L' emploi du temps) el realizador presenta personajes atípicos, de carne y hueso con errores y emociones reales, pero no por eso menos antipáticos, hostiles y, al fin y al cabo, humanos. La cinta nos muestra a un grupo de alumnos multicultural, adolescentes, mayoritariamente rebeldes e inmaduros, un reto para cualquiera que se atraviese en su camino. No estamos ante una 'Sociedad de los poetas muertos', si no ante un retrato real y desesperanzado acerca de un grupo de alumnos. Pero si lo analizamos a fondo no son solo eso, representan a una sociedad moderna envuelta en problemas, aparentemente sin solución. Los alumnos cortan cualquier motivación y buenas intenciones que pueda tener su profesor, tambaleando entre su estricto sentido de la ética teorica, pero que al llevarse a la práctica resulta inútil.

Basado en la novela de François Bégaudeau (quien, aquí interpreta magistralmente al profesor y, quien escribió el guión), como su nombre original lo dice, la película nos muestra los conflictos y los sucesos alumno-docente en los muros de la escuela, sin salir nunca de ellos, sin embargo podemos entender perfectamente lo que sucede fuera de estos: conlictos raciales, familiares, económicos y políticos; reflejados en la actitud de los alumnos. Y esto es lo que hace a Entre los muros un film importante que hay que revisar más a fondo. De forma y fondo minimalista, a simple vista pueden ser solo peleas y gritos entre alumnos y docentes sin solución, pero es admirable la franquesa con la que el director no teme en mostrar la incomodidad del tema, ni ser agorero en su tratado.

La sencillez del lenguaje usado en la película se traduce en un realismo pasmoso, con actuaciones, diálogos y situaciones excepcionalmente comúnes y, por ellos sumamente dramáticas. Ningún diálogo está fuera de contexto. Una muestra de cine francés que se puede aplicar a cualquier sociedad moderna del planeta, donde los problemas parecen ser irremediables y solo tratables a corto plazo. Recomendada para cualquiera que puede ir al cine a ver más allá de la propia realidad y a cuestionarse sobre los conflictos sociales actuales. Por que la película es sobre un grupo de alumnos y su profesor en una visión superficial, sin embargo en una visión profunda es un relato sobre la sociedad actual y, por lo tanto, una cinta dura y pesimista.

Calificación: E

Los abrazos rotos (2009) dir. Pedro Almodóvar

2009-11-11T00:50:00.000-08:00

Cada que se estrena una película de Almodóvar resulta un revuelo mediático y es que, estamos ante el que tal vez es el mejor cineasta español contemporáneo. Sin embargo la desventaja de que Pedro Almodóvar sea un ícono del cine resulta en una publicidad ostentosa que deja muchas expectativas al tratar de ver sus cintas más actuales. Esto sucede con "Los abrazos rotos" recibiendo críticas negativas en su país y alabada en Estados Unidos, la necesidad de ser objetivo es primordial en este caso.

La cinta narra la complicada historia de amor de un director de cine llamado Mateo Blanco (Lluis Homar) y su enamorada Lena (Penélope Cruz), no quisiera contar la trama real, ya que es bastante complicada pues estamos ante un laberinto narrativo de un director de cine convertido en alter ego del mismo Almodóvar contando su historia a través de sus propios miedos y traumas. A lo largo del metraje se va tejiendo una historia sobre traición, pérdida y secretos guardados por años. Como ya lo hiciera con 'La mala educación' contando con elementos del 'cine dentro del propio cine'.

La pregunta entonces ¿Es o no es una buena película? La respuesta inmediata sería que si, es una buena película, Almodóvar ha logrado a lo largo de los años el perfeccionamiento de su técnica narrativa y visual ahora llevada a un extemo que solo él puede alcazar, nos regala momentos de antología que quedarán en el colectivo cinematográfico, además de actuaciones memorables sobre todo de la cada vez más talentosa Penélope Cruz. quien es la encargada de llevar casi todo el peso dramático del metraje. Pero algo falla en los abrazos rotos que la hace solamente una buena película. Tendria que objetar el hecho de que Almodóvar, tal como lo hizo en 'La mala educación' quiere abarcar demasiado y llevar su talento a terrenos que no puede controlar del todo, la trama laberíntica se pierde por momentos en secuencias sin razón de ser, cameos sin sentido, personajes caricaturizados al extremo y nudos narrativos que solo consiguen marear al espectador.

En resumen, uno no debe de perderse ninguna película de Almodóvar, sin embargo yo prefiero cuando opta por historias con tramas más sencillas y sin pretenciones como en el caso de 'Hable con ella' o 'Volver' ya que, como dicen "El que mucho abarca, poco aprieta"

Calificación: B

Inglorious basterds (2009) dir. Quentin Tarantino

2009-10-23T10:07:00.000-07:00

S dice que con el tiempo los cineastas de culto van perdiendo su originalidad, su frescura, su "toque", se pierden en pretenciones estilísticas y narrativas o, simplemente venden su talento a cintas de fórmula. Pero siempre existe la excepción que confirma la regla y esto lo demestra el cineasta americano Quentin Tarantino, quien nos sorprende, una vez más, con una muy lograda cinta que carga con su característico estilo pero aumentado y mejorado luego de varios largometrajes. 

Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, la cinta nos narra la historia de Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), quien presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz, la mejor actuación de la película y uno de los mejores villanos que he visto en el cine), pero logra escapar y se esconde en Paris tras otra identidad haciendose dueña de un cine. Por otro lado sigue las hazañas de un grupo de judíos/norteamericanos que se hacen llamar "the basterds" comandados por el teniente Aldo Rein, cuya misión es simple: matar nazis. 

Tarantino se vuelve cada vez mas diestro como escritor de largas y filosóficas conversaciones que, ahora tienen un sentido más profundo que en, digamos, Kill Bill. Pero no son solo los brillantes diálogos los que hacen de esta su mejor película después de "Pulp fiction" si no es esa maestría del director para combinar los elementos característicos de su cine en una historia más comprometida con una causa en concreto, en este caso no es solo la venganza de Shosanna o la misión de aniquilación por parte del teniente Rein si no es Tarantino inventando su propio cuento de hadas ambientado, como lo dice, en "La Francia ocupada por los nazis" haciendolo, al mismo tiempo sátira, al mismo tiempo homenaje a cintas clásicas y, al mismo tiempo, una reflexión acerca de la propia guerra. 

Se ha criticado un poco acerca de las largas y "tediosas" secuencias de dialogos por parte de Tarantino, sin embargo la maestría del realizador en estas largas secuencias es atraparnos en este juego de angustia y sucesos inesperados que terminan en algo espectacular. Los actores estan fantásticos y, aunque Brad Pitt hace una buena interpretación no es lo mejor del film, brillan, por supuesto, el siempre inmejorable Daniel Brühl como el perfecto soldado nazi, Mélanie Laurent como la vengadora Shosanna y, Christopher Waltz como el coronel Landa, un personaje cruel, calculador, astuto y adorable. Sin duda una de las obras maestras del director, con una banda sonora y edición ya conocidas pero que dejan una gran cinta ya alejada de los homenajes estilísticos y narrativos de Kill Bill y Death Proof para, al fin otorgarle al público algo más fresco y original, como en aquel 1994 y Pulp Fiction.

Calificación: E- 


Calificaciones:
E = Extraordinaria
MB = muy buena
B = buena
R = regular
M = mala
AS = asquerosamente mala 

25 nuevos rostros del cine mexicano (Segunda parte)

2009-10-22T02:02:00.000-07:00

10. Ricardo Polanco.
Este jóven lleva una filmografía corta pero gracias a sus papeles secundarios en "La vida inmune" de Ramón Cervántes, "Familia tortuga" de Rubén Imaz y "La niña en la piedra" de Marise Sistach llegóa ser el elegido para protagonizar, en el 2008, de la cinta "Bajo la sal" de Mario Muñoz, junto con un reparto envidiable, Ricardo hace un trabajo muy bueno dando vida a Victor Zepeda, hilo conductor de la historia, papel que ya lo hace poseedor de la Diosa de Plata como mejor actor revelación.

9. Armando Hernández
Comenzó su carrera en el 2001, al lado de Luis Fernando Peña y Maya Zapata en la película "De la calle" de Gerardo Tort para, un año más tarde, aparecer en "Amar te duele" de Fernando Sariñana y hacerse acreedor a la Diosa de Plata como mejor actor de reparto, así como la nominación al Ariel por esta misma película. De ahí su carrera ha sido vasta, ya que ha trabajado incesantemente en cine y televisión, haciendolo uno de los rostros más conocidos de nuestro cine. Fué nominado al Ariel como mejor actor protagónico por su papel de "El cucú" en la ópera prima de Javier Patrón Fox, "Fuera del cielo"

8. Luis Fernando Peña.
Su debút se dió en la cinta "Un embrujo" de Carlos Carrera en 1998, después, en el 2001 conseguir el protagónico de "De la calle" de Gerardo Trot, por esta película Luis Fernando se llevó el premio "Heraldo de México", "La diosa de plata" y el premio "Mayahuel de plata" del Festival de cine de Guadalajara como mejor actor, así como la nominación al Ariel por esa película y una como mejor actor de reparto por "Perfume de violetas". Ya consolidado como uno de los mejores actores mexicanos, participa en "Amar te duele" de Fernando Sariñana al lado de Martha Higareda. Ha participado en películas importantes como "Desierto adentro" de Rodrigo Plá y "Sin nombre" de Cary Fukunaga.

7. Ximena Ayala
Su gran oportunidad se dio en el año 2001, al mando de Marisa Sistach protagoniza la polémica "Perfume de violetas", por la cual la academia mexicana la premia con el Ariel como mejor actriz principal. Desde ahi Ximena ha participado en varias de las cintas mexicanas más importantes de casi todos los años como "Ciudades Oscuras" de Fernando Sariñana, "Las vidas de Celia" de Antonio Chavarria, "Malos hábitos" de Simón Bross y "Desierto adentro" de Rodrigo Plá. además de ser la actriz favorita de Marisa Sistach, ya que ha participado en casi todas sus películas, como "La niña en la piedra" y "El brassier de Emma".

6. Diego Cataño.
Llevando a cuestas una fuerte tradición cinematográfica, ya que es medio-hermano de Jonás Cuarón, Diego protagoniza en el 2004 la película "Temporada de Patos" de Fernando Eimbcke, compartiendo creditos con Danny Perea y Enrique Arreola. Más adelante protagoniza el cortometraje ganador del gran premio en Cannes "Ver llover" de Elisa Miller al lado de Sofía Espinoza y la película "Año uña" de su hermano Jonás Cuarón. Tiene un pequeño papel en la película "La zona" de Rodrigo Plá. Su año fué definitivamente el 2008 protagonizando las dos cintas más premiadas de ese año, a las órdenes del director Fernando Eimcke protagoniza "Lake Tahoe" premiada en el festival de Berlín y ganadora del Ariel como mejor película y mejor director, además de la cinta "Desierto adentro" de Rodrigo Plá, ganadora del festival de Guadalajara.

5. Maya Zapata
Esta hermosa actriz inció su carrera desde muy pequeña trabajando como interprete infantil en teatro y televisión. Ingresó a la Casa del Teatro a tomar clases con Lucero Trejo mientras participaba en películas como "Santitos", "La otra conquista" y "La ley de Herodes" hasta que en el 2001 recibe su primero protagónico en la cinta "De la calle" del director Gerardo Tort, al lado de Luis Fernando Peña y Armando Hernández ganando el Ariel como mejor actriz protagónica. Después de este gran debut se convierte en una de las actrices más importantes de la escena nacional, participando en la cinta "Los tres entierros de Melquiades Estrada" de Tommy Lee Jones, Gana el premio a mejor actriz en el festival de Guadalajara en el 2003 por la cinta "El mago" de Jaime Aparicio. En en 2004 protagoniza 2 importantes cintas, "Morirse en domingo" de Daniel Gruener por la que gana la diosa de plata como mejor actriz protagónica y, la ópera prima de Enrique Begne, "Dos abrazos".

4. Ximena Sariñana
Además de ser una de las revelaciones musicales más imporantes del país con una propuesta fresca e innovadora, Ximena lleva ya un largo recorrido como actriz de cine y televisión, empezando desde muy pequeña en películas de su padre, el cineasta Fernando Sariñana y en telenovelas. Su papel importante se dio en el 2002, con la cinta "Amar te duele" de su propio padre, donde comparte créditos con Martha Higareda, Luis Fernando Peña y Armando Hernández, aquí Ximena interpreta a la hermana de la protagonista, sin embargo su papel pasa por todo menos desapercibido. Más adelante participa en varias películas importantes como "Amor xtremo", "Niñas mal", "Año uña", "El brassier de Emma" y "Enemigos íntimos", además de su papel en "Dos abrazos" el cual le otorga la diosa de plata como mejor actriz secundaria.

3. Danny Perea
Comienza su carrera con un pequeño papel en la película Zurdo de Carlos Salcés en el 2003, sin embargo su gran oportunidad llega al trabajar con Fernando Eimbcke en su ópera prima "Temporada de patos" en el 2004, la cinta se recuerda como lo mejor de ese año en cuanto a cine juntando reconocimientos por todo el mundo, más a favor de la actriz que su papel es uno de esos que se queda en la mente colectiva del espectador, uno por estar muy bien escrito y dos por el gran talento de esta actriz. La película, además de ponerla en la escena cinematográfica actual, le da el Ariel y el Mayahuel en el festival de Guadalajara como mejor actriz protagónica. Danny sigue demostrando su talento en series mexicanas como "Vecinos" y "Terminales" para consolidarse como una de las mejores actrices de su generación en la cinta "Hasta el viento tiene miedo" de Gustavo Moheno al lado de Martha Higareda.

2. Martha Higareda
Esta hermosa actriz nacida en Villa Hermosa, Tabasco inició su carrera en el 2002 con la cinta de Fernando Sariñana "Amar te duele" interpretando a Renata, con este papel Martha hizo al público llorar y enamorarse gracias a esta trágica historia de amor. Su carisma y presencia hicieron de su papel una delicia, otorgandole la diosa de plata como mejor actriz revelación. Después vinieron un montón de películas nacionaes e internaciones donde Martha se dio a conocer como una actriz muy profesional. No cuestionaré la calidad de las cintas que ha escogido, ya que no todo ha sido éxito, en el 2006 la academia mexicana la nomina como mejor actriz secundaria gracias a su papel en la cinta de Javier Patron Fox "Fuera del cielo". Una actriz muy trabajadora quien se ha ganado a pulso el lugar que hoy ocupa en la escena nacional e internacional, convirtiendola en el rostro joven del cine mexicano, llevandola a protagonizar, al lado de Keanu Reeves la cinta Street Kings en el 2008.

1. Irene Azuela
Su carrera comienza como actriz de televisión, ya que inició su formación en el Centro de Formación Actoral participando en la tenovela "Todo por amor" al lado de Angélica Aragón, Fernando Luján, Ana de la Reguera y Cecilia Suarez.Se muda a Londres para estudiar Teatro Clásico en la London Academy of Music and Dramatic Arts y Teatro Físico en la Desmond Jones School of Mime and Physical Theater. Regresa a México donde participa en diversas obras de teatro a las órdenes de Mauricio García Lozano y obtiene un papel en la cinta "El búfalo de la noche" en el 2007. En el 2008 llega protagonizando "Quemar las naves" ópera prima del director Francisco Franco, que comienza como un ejercicio teatral llevandola a cine. El papel de Irene es un papel complicado con diversos matices, pero que ella lo logra sacar de manera impresionante, con un rango actoral digno de cualquier actriz experimentada. Por esta película gana el Ariel como mejor actriz para más adelante participar en la cinta "Bajo la sal" de Mario Muñoz, por la cual gana nuevamente el ariel en la categoria de mejor actriz. Participa también en la cinta "Arrancame la vida" al lado de Daniel Giménez Cacho y en la obra "El buen canario" con la dirección de John Malkovich. Sin duda la mejor actriz mexicana de los últimos años y el rostros fresco que el cine mexicano necesitaba.

25 nuevos rostros del cine mexicano (Primera Parte)

2009-10-12T23:34:00.000-07:00

Ya al cine mexicano de finales de los ochenta se le llamaba "El nuevo cine mexicano", desde ahi la industria nacional ha pasado por diversas épocas y movimientos, para lo cual ya no se como llamarle al cine de los últimos años. ¿Algo así como "nuevo, nuevo cine mexcano? Como quiera que sea, me propuse mencionar 25 actores y actrices de cine mexicano que han llenado de frescura las pantallas nacionales, decidí solo poner artistas menores de 30 años, ya que estoy hablando de rostros frescos y aún con carreras cortas (aunque en algunos casos parecieran veteranos en cuerpos de jóvenes). Espero les agrade la lista y, si olvidé a alguno, me lo hagan saber.

25. Carlos Padilla.

Nacido en la Ciudad de México, comenzó a trabajar en comerciales desde los cinco años, así como en distintas telenovelas. Su gran salto se dio a los diez años, cuando el director Luis Mandoki lo elige para protagonizar la película "Voces inocentes". No me detendré en mencionar los errores de la película que, en definitiva, no es buena, sin embargo Carlos dejó un buen sabor de boca en la audiencia a quien hizo llorar y enternecer con su interpretación. A pesar de esto, se esperaba mucho más de este pequeño actor, quien después de esta película no ha vuelto a hacer nada relevante, solo prepara la película "The perfect game" de William Dear al lado de Paty Manterola.

24. Joustein Roustand.

Otro niño que ha demostrado tener gran talento, es este quien ha participado en varios comerciales para televisión, sin embargo fue en "La sangre iluminada" de Iván Ávila Dueñas, donde interpreta a un hombre que esta atrapado en el cuerpo de un niño y, aunque sus minutos en el filme son breves, Joustein nos deja ver la medida de su talento. Esperemos que en el futuro lo podamos ver en proyectos interesante, ya que hasta ahora solo se ha dedicado a hacer papeles en telenovelas.

23. Julia Urbini.

Esta pequeña debutó en el 2006 en la ópera prima de los directores Andrés León Becker y Javier Solar, "Más que a nada en el mundo" interpretando a la pequeña Alicia, una niña que se debe de adaptar a un nuevo departamento a pesar de que su madre está al borde de la autodestrucción. La niña se convirtió en lo mejor de la película haciéndonos llorar y reflexionar, la convierten en una de las mejores actrices infantiles, logrando una interpretación igual o más poderosa que la de Elizabeth Cervantes, ganadora ya del Ariel por la misma película (¿El Ariel era para ella sola o para las dos?).

22. José Ángel Bichir.

Su carrera en cine comenzó en el 2004 con "Matando cabos" y, en el 2006 trabajando en la ópera prima de Rubén Imaz, "Familia Tortuga"; esta película le dejó buenas críticas a su trabajo, dándole un lugar en la escena nacional. Hijo de Odiseo Bichir, este joven quien también trabaja en teatro y en televisión, reconoce el peso de su apellido pero no deja que este sea impedimento para trabajar con directores arriesgados.

21. Eileen Yáñez.

Esta joven egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral ya posee el Ariel por mejor actriz secundaria gracias a su estupenda interpretación en la cinta "Desierto Adentro" de Rodrigo Plá. El papel de "Micaela" es de esos papeles que impactan al avanzar el filme, dejando al personaje en la memoria del espectador por un buen rato. Actualmente prepara "El mar muerto" bajo la dirección de Ignacio Ortiz y "Días de gracia" de Everardo Valerio Gout.

20. María Aura.

Esta belleza sorprendió a todos en el 2001 con su papel de Cecilia Huerta, novia de Julio (Gael García) en "Y tu mamá también" de Alfonso Cuarón, su desfachatada actuación y su innegable belleza la han convertido en una de las actrices mexicanas mejor posicionadas. Ha trabajado en "Niñas mal" y "Arráncame la vida" por mencionar solo algunas. Pronto la veremos en "Conozca la cabeza de Juan Pérez" al lado de Silverio Palacios.

19. Camila Sodi.

Hija de Ernestina Sodi, Camila comenzó su carrera a los 8 años iniciándose en la música y el modelaje para más adelante, participar en telenovelas hasta el 2006. Hasta marzo del 2007 en donde trabaja al lado de Martha Higareda en la cinta "Niñas mal" al mando de Fernando Sariñana, para más adelante protagonizar "El búfalo de la noche" al lado de Diego Luna, su actual pareja. Su belleza, al estilo "Lolita" ha cautivado a varios directores y es admirable la apertura de la actriz a trabajar en proyectos interesantes con cineastas arriesgados.

18. Sofía Espinoza.

Esta jóven de 18 años se dio a conocer en el 2007 al participar en el cortometraje de Elisa Miller "Ver llover" ganador del gran premio en Cannes, además de protagonizar la cinta "La niña en la piedra" de Marisa Sistach, por el cual logró una nominación al Ariel como mejor actriz protagónica. Participó en el cortometraje "Beyon the Mexique bay" de Jean-Marc Rousseau Ruiz y pronto estrenará la cinta "Chamaco" de Miguel Necoechea, al lado de Martin Sheen.

17. Ángel Onésimo Nevares.

Sus primeros acercamientos con el medio se dieron gracias al modelaje, convirtiéndose, a los 18 años en Mr. Adolescente Latinoamérica. Tiempo después conoce a Francisco Franco quedándose con el protagonico de su ópera prima "Quemar las naves" al lado de Irene Azuela. La película retrata emociones muy complejas para cualquier actor, sin embargo Ángel supo cargar con el papel y sacarlo de manera convincente sin que la actuación de Irene Azuela lo opacase en ninguna secuencia, dejando en la memoria del espectador al sensible Sebastián.

16. Giovanni Florido.

Otro actor que comenzó desde pequeño su carrera ya que en 1996 obtiene un papel en "Profundo Carmesí" de Arturo Ripstein y en el 2000 en "Before night falls" de Julian Schnabel. En el 2004 dirige y escribe el cortometraje "La aparición fantasma" junto a Bianca Florido. Ya en el 2007 estrena "Dos abrazos", ópera prima del director Enrique Begne, ganadora del Festival de Cine de Tribeca como "Mejor director de nueva narrativa", compartiendo créditos con Maya Zapata, Jorge Zárate y Ximena Sariñana.

15. Adrián Alonso.

Su carrera comenzó en el 2003 cuando Luis Mandoki le dio un papel en "Voces inocentes" al lado de Carlos Padilla, de ahí su carrera en cine de catapultó hasta Hollywood, logrando un papel en la película "La leyenda del zorro" al lado de Antonio Banderas. Sin duda el rostro mexicano infantil más reconocidos en Hollywood, su gran papel se dio en el 2006 en "La misma luna" al lado de Eugenio Derbez y Kate del Castillo.

14. Marisol Centeno.

Esta joven estudio actuación en Casazul Argos y artes circenses en la École de Cirque de Verdun en Canadá, ha participado en varios cortometrajes, telenovelas y programas unitarios, hasta que en el 2006 conoce a Patricia Arriaga quien le entrega el papel de Mei para su ópera prima "La última mirada". La actuación de Marisol es poderosa y convincente, lo que la hizo acreedora a la Diosa de Plata como Mejor actriz protagónica.

13. Gabino Rodríguez.

Este versátil actor comenzó su carrera en el 2001, al mando de Marisa Sistach, en la controversial "Perfume de violetas", de ahí su filmografía ha sido vasta: "La niña en la piedra", "Cobrador", "Familia Tortuga", "Rudo y cursi" y "Sin nombre". Ya con una nominación al Ariel como mejor actor principal, el físico de Gabino no ha sido impedimento para hacerse de una sólida carrera en cine, lo convierte en un intérprete serio y arriesgado que fácilmente puede interpretar papeles duros y complejos, sin duda uno de los mejores talentos nacionales.

12. Jorge Adrián Espindola.
Inició su carrera en el 2003, participando en el medio metraje de Carolina Rivas, "Zona cero" para, en el 2005 interpretar al protagonista en el cortometraje de Roberto Fiesco "David", por el cual fué galardonado en el Festival de Huesca como mejor actor. Ha participado en las ya premiadas cintas "Los tres entierros de Melquiades Estrada" y la ópera prima del director Christopher Zallas, "Padre nuestro" al lado de Jesús Ochoa y Armando Hernández. Pronto lo veremos en la cinta mexicana "Nesio" del director Alan Coton.

11. Alan Chávez.

Para terminar con esta primera parte, menciono a este talentosísimo actor que, lamentablemente, se quedó en el camino. Alan inició su carrera en televisión, hasta que en el 2007 protagonizó la cinta "Partes usadas" del director Aaron Fernández Lesur y, en el 2007 "La zona" de Rodrigo Plá, consiguiendo el Ariel como mejor actor de reparto. Ya era considerado como una de las mayores promesas del cine nacional. Falleció el pasado 12 de septiembre en la Ciudad de México, dejando por estrenar la película "El muro de al lado" de Luis Eduardo Reyes.

... esperen pronto la lista de los diez que faltan.

Jake Gyllenhall: El rostro freak y melancólico

2009-10-05T02:41:00.000-07:00

Tal vez la mayoría solo lo recuerde por interpretar al "vaquero gay" Jack Twist en Brokeback Mountain, pero este actor de 29 años nacido en L.A. tiene más de 20 películas en su filmografía. Proveniente de una familia dedicada al cine, su padre Sthephen es director, su madre, Naomi Foner, guionista y productora; y su hermana la reconocida actriz Maggie Gyllenhaal, Jake empezó su carrera desde muy pequeño, apareciendo, en 1991 en la película "Cowboys de ciudad", para más adelante establecerse como actor en la película "October sky" al lado de Laura Dern.

Llegó el año 2001 y con este su primer papel protagónico en la ópera prima del director Richard Kelly, "Donnie Darko". En esta película Jake interpreta a un esquizofrénico chico ochentero, la misma le valió varios reconocimientos por su interpretación, así como un lugar en el filmamento hollywoodense. Gyllenhaal se dió a conocer pronto como un actor serio quien prefería de cintas independientes y personajes interesantes al cine comercial, sorprenden, sobre todo, sus papeles en cintas como "The good girl" al lado de Jennifer Aniston, en donde interpreta a Holden, un chico solitario y con problemas de depresión. También, al compartir pantalla con Susan Sarandon y Dustin Huffman en "Moonlight mile" donde interpreta a Joe Nast, un hombre que enviuda y queda al cuidado de sus suegros.

Luego de otras películas, vino el éxito comercial "El día después de mañana", sin embargo Jake no se dejó llevar por esto, y sorprendió a todo el mundo con el papel de "Jack Twist", un hombre que se enamora de su compañero de trabajo, Ennis del Mar en la multipremiada cinta de Ang Lee "Brokeback Mountain", papel que le valió el BAFTA de la academia británica, así como la nominación al oscar por coactuación masculina. Después vinieron las películas que lo habrían de consolidar, como "Jarhead" de Sam Mendes y "Zodiac" de David Fincher.

Las características de Jake son, de cierta forma, inusuales en una estrella hollywoodense, ya que no posee las cualidades de un "galán de hollywood", por el contrario, representa una gama de actores inteligentes y versátiles, convirtiendolo, quizás, en el mejor de su generación. Su mirada, triste, inocente y melancólica hacen que los personajes que interpreta se queden en la mente del espectador. ¿Cómo olvidar la mirada de inocencia y melancolía de Holden, o la perturbadora existencia de Donnie Darko y el sufrimiento contenido de Jack Twist?

Filmografía.

1991 - City Slickers

1993 - A dangerous woman

1993 - Josh and S.A.M.

1998 - Homeground

1999 - October sky

2001 - Donnie Darko (Chlotrudis Award, mejor actor)

2001 - Bubble boy

2001 - Lovely and amazing

2002 - The good girl

2002 - Highway

2002 - Moonlight mile