lunes, 22 de noviembre de 2010

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1 (2010) dir. David Yates

Henos aquí, nueve años después de el estreno de Harry Potter y la piedra filosofal, comenzaré diciendo lo complicado que es encasillar la cinta en un género específico: es, a la vez, un drama adolescente, detectivesco, fantástico y un thriller de suspenso. Incluso las reglas básicas a las que nos tenían acostumbrados en las pasadas entregas, desaparecen. 

El nuevo ministro de magia, Rufus Scrimgeour (Bill Nighy, muy atinado), anuncia que se viven tiempo difíciles, con un aire de desolación vemos al trío protagonista preparándose para la búsqueda de los horrocruxes. Voldemort se apodera del ministerio y Harry es perseguido, con las pocas pistas que Dumbledore les ha dejado la tarea es desmoralizante. En medio de todo, Harry se topa con la leyenda de "Las reliquias de la muerte", las cuales hacen al que las posee el amo de la muerte. Las aventuras dejan de tener lugar dentro de los muros de Hogwarts, el trío debe esconderse en el bosque, lo cual deja una sensación de desamparo y angustia. Los mortífagos y carroñeros asechan en todos los rincones, mientras el horrocrux que aún no han podido destruir lleva una sombra maligna que acompaña su viaje. 

Cabe recordar que la última novela ha sido dividida en dos partes, de acuerdo con el director para profundizar más en la trama; así que, básicamente, solo se nos presenta la mitad de una película; me obliga a no sacar conclusiones anticipadas. Uno de los aciertos al dividir la trama en dos es que no se omiten los sinsabores de la novela, a diferencia de La orden del fénix y El misterio del príncipe, donde la sombría narración es canjeada por otras subtramas más amigables, es la primera vez que el mundo mágico se torna tan oscuro y devastador. 

Parece no haber cabida para momentos felices: la boda de Fleur y Billy, el romance de Harry y Ginny, así como el anuncio del embarazo de Tonks son puestos en un lugar muy secundario. Otro de los aciertos, únicamente disfrutables para los lectores de las novelas,es que se pueden ver esos detalles que las anteriores adaptaciones pasaban por alto, se puede tener una buena conversación con la chismosa tía Muriel y una fantástica explicación de la leyenda de las Reliquias de la muerte (con una animación extraordinaria). 

Es aquí donde se evidencia el peor error en esta adaptación; al ser más fiel a la novela, la película comparte los mismos huecos narrativos; la búsqueda de los horrocruxes nunca avanza y vemos a nuestros héroes atrapados en el bosque una y otra vez para, al final, sacarse una solución apresurada e inconcebible. 

Aplaudo la manera en la que el director maneja la tensión general del filme, el feeling de incertidumbre no decae a lo largo del metraje, se nota una gran maestría a la hora de montar las escenas de acción y, por primera vez, desde El prisionero de Azkaban, los efectos visuales se ven reales. Sin embargo, parece que el realizador sigue con esa necedad de quitar momentos claves de la novela para meter otros, que pudiesen parecer más amigables, pero que no aportan absolutamente nada al ritmo de la película. 

*SPOILER* La muerte de Hedwig no es tratada de manera correcta, solo pasa, así como la secuencia en el cementerio, donde Harry al fin puede ver la tumba de sus padres y el lugar donde nació pasa desapercibido. La secuencia (y muerte) de Colagusano es de lo peor, no se profundiza en la "deuda de muerte" que tiene con Harry. La despedida y reconciliación con Dudley era vital para el desarrollo de la historia, espero aparezca en las escenas inéditas.


Se nota mucho más dinamismo en el montaje, los momentos cómicos y románticos son escasos, dan paso a un dramatismo menguado que da un efecto tenebroso y depresivo a la adaptación; lo cual me encantó. La fotografía de Eduardo Serra y la partitura compuesta por Alexandre Desplat se conjugan a la perfección con la siempre magnífica dirección de arte para esta evocación a la desesperanza; a la que, hasta ahora es el filme más oscuro del joven mago (no así, las novelas: La orden del fénix sigue siendo, para mí, la novela más lúgubre de la autora). 

Los actores secundarios, como siempre están de lo mejor, intérpretes británicos de gran trayectoria sorprenden en papeles pequeños, como Imelda Stauton como la estricta Dolores Umbridge, Ralph Finnes como el antagonista Lord Voldemort y, la vesánica Helena Bonham Carter como Bellatrix Lestrange, dan un soporte perfecto al trío protagonista; Rupert Grint asombra en esta ocasión, proyectando la fastidia, envidia y celos de su personaje, aunque el peso dramático recae en la siempre perfecta Emma Watson, es Hermione quien le da la credibilidad y el registro actoral que se requieren los tres personajes, esto ante la poca capacidad histriónica de Radcliffe

En resumen la cinta cumple, son ciertos creces. Presume de varios aciertos, a la vez que peca de arrastrar vicios narrativos heredados desde la quinta adaptación. Se siente un dramatismo nunca antes experimentado, cortando la película en un momento crucial para dejar al espectador, como en telenovela de viernes, ansioso por el espectacular final que cerrará esta importante saga.

CALIFICACIÓN: MB 

jueves, 18 de noviembre de 2010

ESPECIAL: Cintas sobrevaloradas (Parte 2)

Aquí va la segunda parte:

5.- Avatar (2009) dir. James Cameron.
James Cameron confirma, de nuevo, que el público es extremadamente estúpido. No hace falta tener un argumento original para lograr una gran taquilla, basta con poner un producto en un empaque de lujo para que la gente abarrote las salas de cine. Avatar, además de tener un presupuesto de 300 millones de dolares, tecnología revolucionaria y apreciarse en 3D, no tiene NADA. Mensaje ecológico ¡Mis huevos! Es la historia de Pocahontas.

LO + DECEPCIONANTE - Al igual que su anterior película haya roto records de taquilla (solo por que las entradas a ver una cinta en 3D son más caras). Creo que la película porno debe de estar mejor. 

4.- Amores perros (2000) dir. Alejandro González Iñarritu.
Tal vez la película mexicana más exitosa de los últimos años, revivió el gusto del público por el cine nacional y, además, le dio un giro al cientos de veces mencionado "nuevo cine mexicano". Realmente se puede habar de un antes y un después de la industria fílmica mexicana con esta película, nominada al Oscar como mejor película en lengua extranjera. Claro, no es una mala película, tiene buenas actuaciones; pero fué pensada desde el principio para el lucimiento y la pretensión (de la que actualmente somos presas) de González Iñarritu. He aquí donde comenzó todo.

LO + DECEPCIONANTE - A la fecha, este pseudodirector es premiado y respetado, incluso esta próximo a darle a México un Oscar por película extranjera.

3.- Forest Gump (1994) dir. Robert Zemeckins
Superficial y ultraconservadora, acerca del chiste llamado Estados Unidos de América, con un retrasado mental como protagonista (algo que, como vimos, no le costó trabajo a Tom Hanks). Pero claro, a todos les encanta este entrañable cuento del sueño americano (Gana en los deportes, hazte rico trabajando duro y... deja que el gobierno asesina gente en la guerra). Si, para los que no sepan, esta ridícula historia le arrebató el Oscar a Pulp Fiction y The Shawshank redemption.

LO + DECEPCIONANTE - Que haya tenido éxito fuera de los Estados Unidos, no entiendo como en México pudo gustar esta película, siendo una historia tan jodidamente gringa. 

2.- Crash (2004) dir. Paul Haggis
A estas alturas se tiene entendido que la Academia premia a las películas de acuerdo a su conveniencia, por muy cuestionables que sean sus decisiones, no eran tan desfachatados como para premiar a una verdadera mala película, hasta que premiaron esta. La ópera prima de Paul Haggis no aporta nada en ningún sentido, el concepto de historias entrecruzadas ya se había visto con anterioridad. Cuenta, con medio Hollywood en el reparto, un asco.  

LO + DECEPCIONANTE - Que le haya arrebatado el Oscar a la, sencillamente perfecta Brokeback Mountain.

1.- La vita è bella (1997) dir. Roberto Benigni
En mi opinión, la película más sobrevalorada de la historia y es que... ¿Quién no ama esta película? Un hombre que es capaz de desdramatizar los sucesos más horribles a su alrededor (en este caso la guerra) por el bien de su pequeño hijo. La cinta es una comedia física al más puro estilo clásico con tintes trágicos (¿o un drama con tintes cómicos?), con un insufrible Roberto Benigni, que se interpreta a sí mismo en una narración simple que juega todo el tiempo con los sentimientos del público; logrando la empatía inmediata hacía su personaje y su adorable pequeño. Cursi y exagerada, eso es lo que le ha encantado al público de este cuentito italiano.

LO + DECEPCIONANTE - Básicamente que TODO el mundo la ame.  

martes, 9 de noviembre de 2010

ESPECIAL: Cintas sobrevaloradas (Parte 1)

Seguramente todos hemos ido al cine a ver una película que todo el mundo ama, recibe  magníficas críticas o consigue una mega taquilla; sin embargo, al apreciarla nos parece una mala cinta o, simplemente, no sea la gran cosa de la que todo mundo habla. 


He aquí una lista que, basada enteramente en criterio propio, he hecho sobre las películas más sobrevaloradas. Deben de ser docenas de películas, para esta ocasión escogí simplemente diez. 


Para comentar, criticar y analizar. 

10.- Babel (2006) dir. Alejandro González Iñarritu
Iñarritu logró, en su apenas tercer largometraje lo que cineastas de la talla de Del Toro, Cuarón o Reygadas aún sueñan: la palma de oro a mejor dirección en el festival de Cannes. No pretendo demeritar la seriedad del festival, pero en esta ocasión el jurado cayó redondito en las redes del más grande manipulador de emociones, el mexicano ha sabido llevarse a la bolsa a crítica y a público por igual, teniendo a sus órdenes a Brad Pitt y Cate Banchet; además, de la mano del igualmente pretencioso Guillermo Arriaga, no otorga una cinta con un argumento estúpido y vacío; haciéndole creer al espectador promedio que su cabeza puede procesar planos "artísticos". 

LO + DECEPCIONANTE - La necedad del director por filmar en lugares como Japón o Marruecos haya llevado al mismo a cambiar el guión hasta hacerlo increíblemente estúpido y poco creíble; para que con la ayuda de interpretes de primer nivel, hacer la narración verosímil. Además de haber ganado el Globo de Oro a mejor película tuvo seis y siete nominaciones al BAFTA y Oscar, respectivamente.

9.- Slumdog millionaire (2008) dir. Danny Boyle

Danny Boyle ya se había hecho un ícono referencial del cine británico con obras maestras como "Trainspotting", con "28 days later" demostró que bien puede hacer una cinta de género original y de calidad logrando el reconocimiento del público y crítica. Slumdog millionaire fue el evento cinematográfico de aquel año. Una obra maestra  de canto a la vida: colorida, exótica, emocionante y dramática. Filmada en todo el estilo de los Bollywood films daba la impresión de ser un film perfecto. ¡Oh sorpresa! No lo es. Honestamente el apartado técnico es inmejorable, las imágenes atrapan al espectador y la historia lo envuelve en una especie de sueño, pero al final no es más que una historia cursi sobre dos enamorados en la India. Con todo y coreografía al final. 

LO + DECEPCIONANTE - Que la hayan comparado con "Ciudad de Dios" de Fernando Meirelles.  

8.- Titanic (1997) dir. James Cameron

Oficialmente la película más taquillera de toda la historia y un ícono de la cultura de los noventas. Llevó al estrellato a Leonardo DiCaprio y Kate Winlet (afortunadamente ambos llevaron por buen camino su carrera logrando ser, actualmente, dos de los mejores interpretes de la industria). Logró ser la segunda película en ganar 11 Oscares (la primera es Ben-hur y la tercera El retorno del rey) y a su director a autonombrarse el "rey del mundo". Objetivamente, la cinta poco o nada tiene que ver con la tragedia de principios de siglo, este hecho solo fué la excusa perfecta para que el público se echara, de nuevo, la misma historia de amor eterno que Hollywood vende por centenares cada año. 

LO + DECEPCIONANTE - Que sea irresistible de verla completa cada navidad en canal cinco, con todo y la inevitable lloradera. 

7.- Million dollar baby (2004) dir. Clint Eastwood

¿Alguien se ha preguntado que tienen las películas de boxeadores que siempre encantan? Es una de esas preguntas que, junto con la incógnita de la existencia misma, jamás se resolverán. Nunca he dudado (ni dudaré) del gran talento del vaquero Eastwood, ha otorgado cintas que trascenderán y es, además, referencia para cineastas más jóvenes. Pero nadie es perfecto y como dicen: "el que mucho abarca poco aprieta"; es imposible que un director que saca película cada año sea fantástico todo el tiempo. Golpes del destino es una historia de superación aderezada con un dramatismo insulso. Personajes entrañables, bien interpretados pero que, al final, solo son los mismos héroes gringos que el público (y la Academia) adoran. 

LO + DECEPCIONANTE - Que Hilary Swank le haya ganado, por segunda vez, a Anette Benning por el mismo papel de marimacha. 

6.- The Matrix (1999) dir. Wachowski brothers.

Corrian los últimos días del siglo XX y en las salas de cine se podía apreciar una película que combianaba acción y los mejores efectos visuales de la época con filosofía pura... ¡Ah, no mames! Obviamente, la tesis de la caverna de Platón en manos de Hollywood consiguió una bola de fanáticos que se cuentan por millones los cuales, seguramente, no tienen ni la menor idea de quien es Platón. Actuaciones pésimas, una historia casi incomprensible y una muchedumbre de fanáticos que siguen buscando en ella "la respuesta a la vida". 

LO + DECEPCIONANTE - Que haya logrado dos secuelas que se cuentan entre lo peor que he visto en mi vida. 


lunes, 1 de noviembre de 2010

Capturing the Friedmans (2003) dir. Andrew Jarecki

Debo confesar que el documental nunca ha sido un género que me atraiga en demasía, me declaro fiel seguidor del relato ficticio en el cine. A pesar de ello jamás he dudado de la capacidad del género documental para crear obras maestras donde, muchas veces, la realidad supera a la ficción. 

El director Andrew Jarecki se proponía hacer un documental acerca de David Friedman, el mejor payaso de Nueva York cuando, por casualidad, se percató de que este se rehusaba responder preguntas acerca de su familia. Cual habrá sido su sorpresa al descubrir que esta se vio envuelta en un caso de pederastia en los años ochenta.

El caso va más o menos así: Arnold Friedman, esposo y amoroso padre de tres hijos varones y profesor jubilado, daba clases de piano y computación en las tardes cuando arrestado por la policía de Long Island por la posesión de pornografía infantil. Se pasó, entonces, a hacer un interrogatorio a todos sus alumnos y, sin ninguna prueba física, varios admitieron haber sido abusados sexualmente por su profesor y el hijo menor, Jesse, que ayudaba en las clases a su padre.

Culpados de cientos de delitos de pederastia, la familia Friedman graba un vídeo casero donde se documenta el día a día de sus integrantes mientras pasan por el proceso judicial del padre Arnold y, el hermano Jesse. Es aquí donde el director pone en evidencia la mayor cantidad de testimonios a favor y en contra, siempre tomando un punto de vista neutral. El espectador, entonces, se ve envuelto en una investigación policíaca que se combina con el drama de una familia destruida. 

Dada la naturaleza incómoda del delito y la ambigüedad de las acusaciones, es difícil imaginar que una persona como Arnold Friedman pudiese cometer tales barbaridades. Mientras cartas y testimonios de personas cercanas nos aseguran lo contrario, logra que el espectador cambie de opinión a cada minuto del metraje. Se crea, entonces, una conexión entre personajes tan singulares, muy a pesar de que hayan sido satanizados y descritos como monstruosidades  para la policía y los habitantes de Long Island. 


Por terribles que sean las acusaciones, la injusticia y el show mediático al que fueron sometidos Arnold y Jesee Friedman resulta inaceptable. Las supuestas víctimas, junto con la sociedad norteamericana pasan a ser, entonces, los villanos de esta historia. 

Testimonios de policias, investigadores y víctimas son montados a la par de las desgarradoras historias de la madre, el hermano mayor, David y Jesee; tratando de atrapar la verdad, esa escurridiza que, incluso al final del metraje, no se logra conseguir.  No es solo un documental acerca de una investigación policiaca, si no la historia de se destruye la armonía familiar.

Calificación: E!

jueves, 28 de octubre de 2010

Biutiful (2010) dir. Alejandro González Iñarritu

No es causa de sorpresa el hecho de que le haya tenido mala fé a esta película incluso antes de apreciarla, nunca he ocultado mi aversión a este director; su narrativa y estética me parecen pretenciosas y engañosas, especialmente en "Amores perros" y "Babel".  Mucha de esa presunción de la que hablo la proporcionaba las siempre excesivamente melodramáticas historias de Guillermo Arriaga, esa obsesión por la atemporalidad, el dolor y la tragedia resultaba insulsa luego de tres largometrajes. Pero cualquiera merece una segunda (cuarta, en este caso) oportunidad. Así que me decidí ver, con toda la imparcialidad posible, la primera cinta del director mexicano sin su guionista de cajón.

Esta producción mexicana-española filmada enteramente en una desconocida y abrumadora Barcelona nos cuenta la historia de Uxbal (Javier Bardem), quien emprende una carrera a contra reloj para "arreglar" todos los asuntos que tiene pendientes luego de enterarse que pronto morirá. La miseria en la que se desenvuelve deja un panorama desolador a este héroe trágico: padre de una niña y un niño, cuya una madre es prostituta y bipolar; envuelto en el negocio del tráfico de inmigrantes chinos y africanos se desarrolla en una ciudad con poca esperanza. Es ahí donde el director se encarga de mostrarnos lo "biutiful" de la vida, esa búsqueda de lo perenne de esta que pronto terminará. La oscuridad, el contacto con la muerte y esos breves momentos de felicidad son los que llenan la miserable existencia de Uxbal.   

Apoyado enteramente en un equipo de primer nivel, González Iñarritu nos entrega una cinta, artísticamente impecable. La fotografía del también mexicano Guillermo Prieto nos transporta a esos barrios de Barcelona, jugando con los colores de la noche, sombras que muestran la desolación y oscuridad; a la par de la siempre magnífica dirección de arte de Brigitte Broch y la claustrofóbica composición de Gustavo Santaolalla. Acompañado por un diseño de sonido muy atinado. Rematando con la impecable intepretación de Javier Bardem, en un papel por demás inmenso, voraz y melancólico. 

Debo decir que aplaudo el talento visual que tiene el director, pero la cinta nunca llega a despuntar como se debe, fotogramas dolorosamente hermosos dejan ver, solamente, la obsesión del realizador por provocar esta clase de sentimientos al espectador promedio. Moviendo las piezas para retratar, por cuarta ocasión, una historia que ralla en el melodrama inaguantable. Tratando de impresionar en todo momento con esa crudeza visual que, nunca debe de estar por encima de la historia en sí. Al final no es más que una película llena de planos sin sentido. Se nota la falta de un guionista que, al menos, haga creíble tanta sufridera. Biutiful es aburrida, tediosa e incomprensible. Bardem es quien lleva todo el peso dramático del filme, haciendo de su personaje lo único creíble de esta apagada propuesta del director. 
Calificación: R

NOTA PERSONAL: Cruzo los dedos por que esta no sea la película que le de a México el primer Oscar. 





viernes, 1 de octubre de 2010

Seres: Genesis (2010) dir. Angel Mario Huerta

Ha quedado claro que la publicidad es vital para el éxito de una película mexicana. De eso depende que la gente se interese en ella y acuda a las contadas salas de cine donde se exhibe. Pero que pasa cuando esta publicidad es pretenciosa, es decir, cuando te venden gato por liebre. Me acaba de suceder algo parecido con el segundo largometraje de Angel Mario Huerta (director de la también fallida Inspiración con Barbara Mori y Arath de la Torre).

El argumento original no suena tan mal, de hecho, para los fans del género de ficción, resulta intrigante. La compañía de tecnología mexicana Owal Technologies liderada por el prof. Owen (Gonzalo Vega) tiene una subdivisión encargada de fenómenos paranormales y vida extraterrestre. Este personaje junta a algunos de sus mejores miembros para una misión, en base a profesias mayas se anuncia que el contacto extraterrestre está cada vez más cerca. 

Pero pareciera como el director se empeñara por hacer una cinta cada vez más mala. La trama nunca avanza, es aburrida y tediosa; no existe suspenso alguno. Los diálogos son estúpidos, hasta para una cinta de serie B, incluso se nota cierta vergüenza en los actores al decir las lineas. Por si esto no fuera poco los efectos visuales son de lo peor, la fotografía es fallida y no existe ninguna frescura el filmar en Monterrey. 

Es muy molesto por que el proyecto es ambicioso y pretencioso. Me vendieron el piloto de una mala serie de televisión como película. Me recordó a esas cintas como Vacaciones del terror con Pedrito Fernández, que resultaban en risas involuntarias. Pero esta película no funciona ni como esto, eviten el enojo y asistan a otra sala. 

CALIFICACIÓN: AS 



miércoles, 8 de septiembre de 2010

El estudiante (2009) dir. Roberto Girault

La cuestión del éxito y el fracaso del cine mexicano ante el público local es algo que siempre me ha traído conflictos y enojos. No he podido encontrar una respuesta concreta al gusto del espectador local. Sin embargo la ópera prima del director mexicano Roberto Girault, que consiguió ser la más taquillera el año pasado, me ha abierto un poco más el panorama acerca de lo que el mexicano promedio busca en su cine nacional: si no son historias entretenidas con actores reconocibles (de la televisión), humor vulgar e insulso, son historias digeribles y aleccionadoras que no dejan cabida a una reflexión profunda. 

La cinta nos cuenta la historia de "Chano" (Jorge Lavat) quien, a sus 70 años, decide entrar a la universidad a estudiar letras, luchando ante la adversidad cual Don Quijote de la Mancha (metáfora usada hasta el hartazgo en el film), en un principio será objeto de extrañeza y hostilidad por los demás pero logrará entrar al círculo de "los jóvenes". Con ayuda de su esposa "La sirenita" (Norma Lazareno), con quien lleva 40 años de matrimonio logrará superar las pruebas que le pone el destino y, ayudar a su peculiar manera, a sus nuevos compañeros. 

La película es filmada en la ciudad de Guanajuato, lo cual termina por ser el único factor fresco que se puede mencionar del filme. Muy a pesar de sus aciertos técnicos, el guión es extremadamente fallido, con diálogos sosos, simplistas y anticuados la historia nunca avanza; aleccionando al espectador acerca de valores perdidos y tradicionalismos estúpidos como si en la vida solo existiera el negro y el blanco. Los actores no pueden hacer mucho con sus personajes: clichés mal desarrollados con historias de amor inverosímiles. 

Al final solo es una película sentimental y didáctica para mentes muy cerradas. No hay mucho que reflexionar pues la "lección" de "nunca es tarde para el estudio" queda entendida de sobremanera desde el principio. Ahora dudo muchísimo más de la importancia que el público mexicano le da a la calidad de lo que consume.

Calificación: M 

domingo, 15 de agosto de 2010

El secreto de sus ojos (2009) dir. Juan José Campanella

Es ya bien sabido que una de las categorías más complicadas en los premios de la Academia es la de "Mejor película en lenguaje extranjero" (en este caso, en idioma distinto al inglés). La gran mayoría de veces da sorpresas impredecibles aun cuando haya una favorita. Las dos últimas veces que México compitió en esta categoría iba como favorita: por "El crimen del padre Amaro" de Carlos Carrera y "El laberinto del fauno" de Guillermo del Toro, ambas perdiendo ante las alemanas "Nowhere in Africa" y "La vida de los otros", respectivamente. Este año no fue la excepción, Michael Haneke iba como favorito por su obra maestra "La cinta blanca", sin embargo el premio fué para la argentina "El secreto de sus ojos".

El cine argentino es una de esas industrias cinematográficas latinoamericanas, relativamente "saludables" y, junto con México y Brasil estrenan la mayor parte de cintas habladas en español latino. Poseen realizadores muy diestros capaces de otorgarnos cintas de una insuperable manufactura e historias mucho más cercanas a la realidad inmediata. Juan José Campanella se consolida como un magnífico director de actores, así como un admirable guionista. El secreto de sus ojos conjunta distintos géneros cinematográficos: el thriller policiaco, el drama basado en deseos y pasiones, al más puro estilo clásico y el relato político hablando de mafias e impunidades en una época difícil para Argentina, los 70's. 

La cinta nos narra la historia de Benjamín Espósito, secretario de juzgado en Buenos Aires jubilado. Este hombre intenta escribir una novela acerca de un brutal asesinato que ocurrió en el 75, reviviendo, así una violenta y dolorosa historia que, aún en su vejez lo sigue atormentando. Es así como, a manera de flash backs y maravillosas secuencias el director nos cuenta una historia que nos recuerda a esos clásicos norteamericanos, planos de una absoluta belleza, así como actuaciones perfectas, solventadas mucho más en la contención que en el drama exagerado. Soledad Villamil, Ricard Darín y Guillermo Francella estan soberbios. Un guión bien concebido, que atrapa al espectador desde el primer momento. Una fotografía exquisita y una partitura que va perfecta con la narración.

Entonces... ¿qué le falta a "El secreto de sus ojos" para ser una obra maestra? Es que precisamente Campanella se esmera demasiado en esa perfección cinematográfica para lograr una historia interesante y resuelta que el público digiera de manera muy simple. Algunos diálogos son exageradamente poéticos y. a pesar de que las secuencias son majestuosas (en especial el plano-secuencia del estadio) se nota algo de pretensión. Aún así la película es maravillosa en su narrativa y perfecta en su presentación. 

Calificación: MB

viernes, 13 de agosto de 2010

Inception (2010) dir. Christopher Nolan

No iba a poner reseña sobre esta película ya que se ha escrito mucho sobre ella. Quería un blog más alternativo pero ¡Que va! Christopher Nolan se merece muchas opiniones y redacciones. Este director se ha convertido en un caso extraño para la industria hollywoodense, ya que sus películas han sido, a la vez, hits de taquilla, así como películas interesantes, originales y de una calidad insuperable. Algo cada vez más difícil en este medio carente de originalidad y autores inteligentes en sus propuestas. Con "The dark knight" Nolan llegó a un lugar en el que los estudios apoyan sus caprichos... ¿es esto bueno?

Es que el argumento de "El origen", valga la redundancia, no es tan original como parece. Directores de la talla de David Lynch, Luis Buñuel o, incluso el francés Michel Gondry ya se habían aventando grandes tratados acerca del inconsciente y los sueños, cada uno a su peculiar manera. Entonces, el caso es que la idea de poder meterse en los sueños de las personas no es un gran descubrimiento. Lo que plantea Nolan, básicamente, es un rollo más corporativista en el que ya hay una industria que se dedica a sustraer elementos del subconsciente para fines lucrativos. 


Un experto en la materia es Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) quien se ha ganado, dado el esmero en su trabajo, ser también un fugitivo de la justicia. Gracias a un magnate oriental (Ken Watanabe), Cobb tiene la oportunidad  de realizar un último trabajo con el que logrará la libertad. Esta tarea requiere hacer lo opuesto a robar información, se trata de implantar una idea (inception, del título original) en la mente de un millonario heredero (Cilliam Muphy). Con la ayuda de un su equipo de expertos: el técnico Arthur (Joseph Gordon-Levitt), la aprendiz jóven y audaz (Ellen Page), el químico Yusuf (Dileep Rao) y el imaginativo Eames (Tom Hardy) tratarán de llegar con éxito a una hazaña solo lograda por el mismo Cobb años atrás. 

La trama en sí es complicada, no quisiera adelantar demasiado, basta decir que se añade el personaje de la esposa de Cobb, Mal (Marion Cotillard) quien se encarga de meter en problemas al subconsciente de esposo.  El realizador se toma mucho tiempo en explicaciones del universo en el que están plantados tratando de meter varias sub-tramas y enredándose en una narrativa que no fluye de manera correcta. El espectador se ve en la problemática de disfrutar el deleite visual, seguir la historia o entender la complicada tesis de Nolan acerca de los sueños. Para los que tratamos de hacer las tres, hayamos muchos errores. 

El realizador carece de originalidad al retratar el mundo onírico, pues la imaginación y lo imposible de los sueños es tratado por reglas demasiado planas y simples. Lugares comúnes que tapa con efectos especiales y secuencias de acción. Sin embargo el mundo de los sueños nunca logra ser, irónicamente, "creíble".  Los giros argumentales se sienten forzados ante una trama en donde el final se vislumbra casi desde el inicio. Se extraña esa agudeza en el guión de The Dark Knight, donde esos giros argumentales realmente exigían la participación del espectador, llevando la historia a un nivel mucho más alto de profundidad y sorpresa. Aquí simplemente se llenan esos huecos con escenas de acción, eso si, perfectas, pero vacías y desgastantes. 

El apartado técnico es, como siempre, de lo mejor. La fotografía exquisita con un diseño de producción envidiable acompañado de una edición y efectos visuales perfectos. Se agradece la perfección que el director siempre pone en sus proyectos. Una partitura también muy apreciable logran secuencias que dejan muy buen sabor de boca. En cuestión de los actores, ninguno parece sobresalir, todos los personajes parecen estar programados para una sola cosa, sin profundizar en nada más. Como piezas de ajedrez destinadas a algo ya predeterminado. Leonardo DiCaprio logra una actuación simplemente buena, tal vez la única del reparto que llama la atención, a mi opinión, es Ellen Page; con una frescura que sorprende en las escenas donde aparece, su personaje siempre va más allá de la sosa trama. Los demás actores están desaprovechados, en especial Cotillard y Gordon-Levitt. 

En resumen "El origen" no es la gran cinta que pretendía disfrutar. Resulta una mala ejecución de una idea de su director. Pudo haber trabajado mucho más en ella tal vez desde un escenario más independiente. Ya vemos lo que sucede cuando a un cineasta de culto le dan demasiado dinero.

Peor para los que tuvimos que verla primero doblada al español gracias a las distribuidoras mexicanas, pero esa es otra historia...

Calificación: B


viernes, 16 de julio de 2010

Das weiße Band, Eine deutsche Kindergeschichte (2009) dir. Michael Haneke

Al fin pude disfrutar la ganadora indiscutible del festival de Cannes, que impacta desde el cinismo del título. "Das weiße Band, Eine deutsche Kindergeschichte" (literal: La cinta blanca, un cuento infantil alemán). Con esa desfachatez, el austriaco Michael Haneke nos presenta lo que significa no solo su obra maestra, si no una verdadera obra de la cinematografia mundial. 

La cinta blanca cuenta la historia de un pequeño pueblo protestante en la Alemania anterior a la Primera Guerra Mundial, donde tendrá lugar una serie de misteriosos y brutales acontecimientos, los cuales pondrán a temblar la aparente calma en que se vive ahí. El viejo profesor (quién, además es el personaje que investiga los acontecimientos) nos narra en voz en off su experiencia tras estos incidentes. 

Me encuentro ante una obra cinematográfica, por demás extraña en su tratado y en su presentación. De entrada no me sorprende que le hayan negado el Oscar a la mejor cinta en idioma extranjero, pues aunque es un hecho que esta es muy superior a la argentina "El secretos de sus ojos" no deja de ser una muestra de cine no-amable con el público ávido de historias interesantes y resueltas, las cuales no dejan espacio a la reflexión y al análisis profundo. Agradecido estoy con el director pues su película me ha llevado a un exhaustivo estudio. 


La narración nos va llevando por la vida de más de 20 personajes habitantes del pequeño poblado, azotado por la incertidumbre de crímenes sin resolver se hunde en una ola de mentiras, secretos e hipocresías en un vaivén en donde se sumerge al espectador en la cotidianidad para ser atrapado más adelante por la oscura fábula de Haneke

El director construye en este metraje una tesis acerca de las raíces de la perversión y la maldad, aquella que vive dentro de cada ser humano, en donde las apariencias son relativas. La idea de la inocencia en la niñez es puesta no solo en duda, si no que es el hilo negro que lleva a la historia a límites de una violencia casi silente, pero perturbadora. El análisis temporal es trascendente, nos encontramos ante un cuento que rosa con los inicios del nazismo, es importante apreciar este tratado que hace el autor. La película nos situa en un periodo histórico específico, retratando a las personas que más adelante se convertirán en los peores asesinos de la historia. 

De la mano de una majestuosa fotografía en blanco y negro a cargo de Christian Berger, una de las mejores muestras de este complejo arte que he podido apreciar, nos transporta inmediatamente a la oscuridad de la Alemania de principios de siglo. Una danza en blanco y negro, basado en luces, sombras, rostros y emociones paisajistas que recuerdan a Bergman y Tarkovski. Con una camara lenta y un ritmo pausado el autor nos otorga secuencias espeluznantes sin recurrir a la violencia gráfica, si no al manejo dramático de los personajes y situaciones donde no hay cabida a sentimentalismos cursis o artificiales. Un reparto maravilloso en su mayoría niños y jóvenes son la piedra angular de la película, otorgan interpretaciones perfectas. 

Una gran recomendación de cine alternativo, ese que requiere un análisis íntegro de un cine que no solo se ve, se observa y se siente. 


Calificación: E!


jueves, 15 de julio de 2010

Hunger (2008) dir. Steve McQueen

Irlanda del Norte, 1981. Cárcel de máxima seguridad de Maze. Davey Guillen llega como preso a este lugar, encontrándose Gerry Champell, alguien ya acostumbrado a la difícil vida ahí. Los días transcurren tanto para ellos como para los guardianes como Raymond Lohan, que más adelante serán víctimas de un motín.

La ópera prima del director Steve McQueen retrata la existencia en esta prisión, así como la huelga de hambre iniciada por Bobby Sands como protesta a favor de conceder un estatus diferente a los presos republicanos en el conflicto de Irlanda del Norte. 

De entrada estamos ante una muestra de cine político e histórico presentada a nosotros con una belleza extrema. No es de extrañarse que los cineastas irlandeses sean hábiles en tocar temas nacionales incómodos; como lo hizo en su momento Peter Mullan con "The Magdalene Sisters" o Ken Loach en "The wind that shakes de barley" hablando de los hogares/prisión Magdalena y de la guerra civil irlandesa, respectivamente. Cintas polémicas y duras en su planteamiento al tocar un tema difícil, en este caso la inconcebible vida en la prisión. Sumergiendo al espectador en la vida y sentimientos de presos y oficiales por igual. 

Uno de los mejores debuts cinematográficos de la década a cargo de Steve McQueen, haciendo gala de un poderosísimo estilo visual y narrativo, así como de un guión con pocos diálogos e imágenes plagadas de emoción mórbida. Esos cuadros llenos de crudeza, la misma que reflejan las extraordinarias interpretaciones. El difícil trabajo de filmar la violencia en su máxima expresión, sin conceder artificios al presentarla al espectador. 

Impactante interpretación de Michael Fassbender (Inglorious Basterds), poniendo en riesgo su propia salud al bajar 16 kilos para, reflejar la agonía que sufre el personaje al morir de hambre.  Todo esto nos deja una cinta violenta, dura, cruda; difícil de digerir pero de una pasmosa belleza y honestidad. 


CALIFICACIÓN: E


sábado, 19 de junio de 2010

Daniel & Ana (2009) dir. Michel Franco.

Después de pasar por varios festivales internacionales, llega la ópera prima del realizador mexicano Michel Franco al lugar donde fué filmada. Las críticas buenas y malas no se hicieron esperar lo que resultó en una cinta muy polémica en distintos sentidos. No es para menos, ya que trata un tema sumamente mórbido.

Daniel y Ana son dos hermanos que viven en la Ciudad de México, de familia adinerada, disfrutan de la vida cómodamente. Ella está a punto de casarse y él es un estudiante de preparatoria que bien cabe en el adjetivo de "normal". No creo que contar más de la trama sea correcto, solo he de decir que ambos sufren de un violento altercado de la delincuencia que vuelca sus vidas hasta llevarlas al límite.  

Es evidente la poca experiencia que tiene el realizador, ya que la cinta no logra convencer del todo, cinematográficamente hablando. Con una cámara estática, tomas largas, una ambientación minimalista y de contención dramática, Franco aborda la historia de una manera sumamente áspera y nada agradable. No me atrevería a afirmar que resulta algo pretencioso, pues la narrativa es bastante ambigua, es decir ¿cuál sería la forma correcta de contar una historia así?

Varias de las críticas me han parecido infundadas, se ha calificado al filme de "contraproducente". Obviamente se tocan varios temas delicados, en este caso la delincuencia en la Ciudad de México, de la misma forma poniendo a la clase alta indefensa; además de la incomunicación en estas familias preocupadas más por un estatus que por la salud y seguridad de los suyos. El guión maneja varios altibajos y no sabe resolver de manera correcta las escenas, sacando a relucir la estética que no siempre va de la mano con la narrativa. Aplaudo la actuación de Marimar Vega, quien sabe cargar con el protagónico en una interpretación sólida, es en sus silencios donde proyecta todo el dolor de su personaje. El reparto restante hace un trabajo correcto y el debutante Dario Yazbek Bernal se siente aún muy verde. 

Difícil poner una calificación objetiva al esfuerzo colectivo en este trabajo. Por un lado creo en el gran valor del director de contar una historia de esta manera llevándola contra corriente.  Son evidentes los errores y la pretención que muestra en los planos, forzando al espectador a mirar la pantalla con las tripas y sentir un vacío no siempre justificado. Una muestra de cine arriesgado, vale la pena darle la oportunidad de confrontar opiniones a este trabajo cinematográfico tan ambiguo. 

Calificación: B

viernes, 18 de junio de 2010

Moon (2009) dir. Duncan Jones

Ópera prima del hijo de David Bowie se revela como una de las cintas de ciencia ficción más originales que he visto en los últimos años (tal vez superada, solo por District 9). La muestra perfecta de que no se necesitan efectos especiales espectaculares, famosas estrellas y millones de dolares en la producción para crear una cinta de este género, claro ejemplo de cine independiente e inteligente.

Narra la historia de Sam Bell (Un más que maravilloso Sam Rockwell) quien se encuentra aislado en una base lunar minera que se encarga de suministrar combustible saludable a la Tierra. Alejado de todo contacto humano, solo convive con su robot llamado Gerty (con la genial voz de Kevin Spacey), una especie mucho menos siniestra que el HAL 9000 que se encarga de "mantenerlo a salvo". Sam cuenta los días para salir por fin de la base espacial y reencontrarse con su familia luego de varios años de retraimiento. A un par de semanas de dejar la base Sam sufre un accidente que le hará darse cuenta de que no está solo en aquel lugar y, además, es parte de una gran falacia corporativista. 

Manejada como un thriller de suspenso laberintico, Moon tiene un ritmo pausado pero bien llevado. A la par de una margínica fotografía, diseño de producción y una música de Clint Mansell que logran una estética inmejorable de ciencia ficción.  Mucho más parecida a 2001: Odisea espacial que a cualquier cinta hollywoodense del género. Duncan Jones maneja diversos temas en medio de la confusa pero sumanente ágil trama. Se mete en una tesis acerca del doble yo, la inteligencia artificial y la crítica al corporativismo. Todo para otorgarnos una cinta muy disfrutable en términos de entretenimiento, al igual que muchos cuestionamientos filosóficos y morales. 

Otro gran acierto del filme es la gran interpretación de Sam Rockwell, quien se la juega otorgando a un personaje muy complejo, el espectador es inmediatamente seducido por el juego de personalidades que propone el director y que es llevado de la mano por el actor. Además del personaje de Gerty quien, en base a la voz de Kevin Spacey y una serie de emoticos (felices, tristes y preocupados) logran dar en el blanco a la emoción y proyectar lo que la narrativa necesita. En resumen una cinta súper recomendable, especialmente para los amantes del género, luego de estas grandes cintas quedo convencido de que la ciencia ficción ha encontrado nuevas voces que la llevarán a un siguiente nivel. 


Calificación: E




jueves, 20 de mayo de 2010

Persépolis (2007) dir. Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud

Basado en la novela gráfica de Marjane Satrapi y ganadora de infinidad de premios, así como el premio especial en el festival de Cannes, Persépolis es una joyita de la animación contemporánea, habla de un tema social y político importante pero, abordado desde un punto de vista personal y sensible, con un gran sentido del humor nunca cae en el sentimentalismo y el lamento.

Nos cuenta la historia autobiográfica de una niña iraní en pleno fundamentalismo islámico, hasta nuestros días. De pequeña es testigo del duro régimen que obligaba a las mujeres a llevar velo y a encarcelar a los opositores. Ella  presencia el terror de la guerra entre Irán e Irak mientras escucha a Iron Maiden. Al llegar a la adolescencia es enviada por sus padres a Europa donde vive en carne propia la sensación de encontrarse en una cultura completamente ajena que ella misma describe como inconsciente. Tras experimentar la amargura del desamor, la soledad y, a causa de una depresión regresa a casa solo para encontrarse a ella misma sometida a un régimen y a una sociedad tiránica. 

Poseedora de una estética inmejorable, con una animación tradicional en blanco y negro con toques de color en algunas secuencias, los directores logran un estilo único cargado de fuerza en las imágenes aveces realista y abstracto. Solo para expresar de manera perfecta el mar de emociones por los que pasa la protagonista. Personajes sumamente interesantes e imágenes poéticas, especialmente el personaje de la abuela: sus palabras son duras verdades de la vida. La narración es efectiva con una mezcla entre el drama profundo y reflexivo, así como del humor ácido e irónico, muy inteligente. 

Todo esto sin ninguna pretensión de ser propagandista ya que no está completamente en contra del fundamentalismo islámico, si no de cuestionar cualquier clase de régimen que corte la libertad, dejando no una dura lección ética si no, cuestionamientos y muchas reflexiones. Una gran recomendación de cine alternativo, para quienes saben disfrutarlo. 

Calificación: E





jueves, 29 de abril de 2010

The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009) dir. Terry Gilliam

Oficialmente, la última película en donde actuó el fallecido Heth Ledger, resulta el regreso del director Terry Gilliam al espíritu onírico de películas como Brazil (1985) y Las aventuras del barón Munchausen (1988); resaltando el cuidado en la creación de imaginativos mundos llenos de simbolismos y cuestionamientos filosóficos. Recapitulando así, la tesis del autor acerca de la naturaleza de la imaginación, dando pie a una historia más loca y surrealista que en sus más recientes películas (como Tideland (2005), por ejemplo).

La cinta nos cuenta la historia del Dr. Parnassus (Christopher Plummer), quien posee el extraordinario don de guiar la imaginación de los demás. Lamentablemente en el recae la maldición de la inmortalidad, siglos atrás hizo una apuesta con el diablo (Tom Waits), quien a cambio de la juventud él le daría a su hermosa hija Valentina (Lily Cole) en cuanto esta cumpliera los 16 años. El cumpleaños de ella se acerca, el ayudante del Dr., Anton (Andrew Garfield) está cada día más enamorado de ella y, mientras el diablo tiene una apuesta más que hacerle al Dr. para que este se quede con su hija, aparece un misterioso, seductor e inteligente personaje llamado Tony (Heath Ledger), quien será el encargado de darle un nuevo giro a la vida del Imaginario del Dr. Parnassus.

Terry Gilliam nos ofrece una película de la mejor calidad con una fotografía muy bien lograda y un diseño de producción majestuoso que nos lleva a un viaje a través de un sueño, plagado de infinidad de simbolismos, los cuales estan ahí solo para quien este dispuesto a encontrarlos. Gracias a algunos arreglos en el guión, el papel de Heath Ledgar es perfectamente complementado con las interpretaciones de Johnny Deep, Jude Law y Colin Farrell (en mi opinión, el mejor de los 3). Ningún actor cae en la sobreactuación y la historia, a pesar de ir en círculos reiterando el nudo de la narración, sale a flote gracias al tratamiento de esta como si fuese un cuento. El carisma de Heath Ledger es explotado de manera correcta haciendo de esta una muy buena última actuación, aunque en lo personal me quedo con la de Andrew Garfield, quien interpreta al ayudante del Dr. Parnassus eternamente enamorado de su hija Valentina. 

El mesaje de la película es simple, nos habla acerca de las elecciones y las responsabilidades que tenemos como seres humanos, pero la cinta, al igual que la mayoría de las del director, contiene otras lecturas que conviene analizar con detenimiento.  Por que hay varias frases e imágenes que se quedarán en el colectivo por mucho tiempo después de la proyección. El mismo Dr. Parnassus no es un hombre ambicioso, si no espiritual "Yo no quiero gobernar al mundo, quiero que se gobierne solo". A causa de su idealismo hace apuestas con el diablo con la esperanza de tener juventud y vida eterna (algo codiciado por cualquier ser humano). Y es que, el doctor no crea las imaginaciones de los demás, si no que son las personas las creadoras de esta y de su propio mundo, creo que aquí es donde recae el valor de la película de Gilliam, el recordarnos el valor de imaginar y la responsabilidad de la humanidad de ser forjadores del destino de la misma.

Calificación: E



Calificaciones:
E = Extraordinaria
MB = muy buena
B = buena
R = regular
M = mala
AS = asquerosamente mala